La Lira de Orfeo

Los grandes éxitos de siempre, una y otra vez...

2010-10-01T12:56:00.003-04:00

Ayer asistí al concierto ofrecido por Musica Angelica en la principal sala de Santiago. Un evento que no debería provocar mayores comentarios en la prensa local, salvo por las curiosidades ofrecidas al público: la falta de un clave, sustituido por las cuerdas pulsada de una tiorba, en la primera parte del programa, y de una guitarra, en la última; la mala distribución de los instrumentistas en el escenario, lo que significó un disparejo empaste de las partes; un programa que bordeó lo caricaturesco, y, lo más grave según mi parecer, la casi nula participación del oboísta Gonzalo X. Rui z. Error acrecentado aún más si tomamos en cuenta que el concierto abrió con una desbalanceada Suite en Si menor (BWV 1067) que, como ya es sabido, fue originalmente escrita para el oboe y no para el flauta traversa, que es lo que se pudo apreciar anoche. Comprendo que el público asistente no tenga por qué saber tanto detalle musicológico, más aún si nadie se encarga de explicarlo debidamente, menos añadirlo a las notas del programa. Pero de eso a aceptar que una y otra vez nos machaquen con los mismos cuatro conciertos vivaldianos, algunos Haendel sueltos, el Corelli más popular o las mismas tres selecciones bachianas de ayer, hoy, mañana y siempre, pues no! ¿Como pretenden que el publico extienda sus horizontes si no hay variedad en los programas? ¿Recuerdan las visitas del Concerto Italiano y la Accademia Bizantina? Una lástima. Pero lo de anoche es más preocupante aún, porque una de las ediciones bachianas más destacadas del año pasado fue precisamente la que registró la reconstrucción de las versiones originales de las cuatro suites orquestales del Kantor. Si bien fue un trabajo discográfico de Monica Hugget y su Ensemble Sonnerie (Avie - AV 2171), quien asumió la parte del oboe fue Gonzalo X. Ruiz, con una impecable lectura de la segunda Suite, transportada a su tonalidad primitiva, en La menor. Y anoche era, y no creo que se repita, “la” ocasión de escuchar en vivo, con sólido fraseo y bello sonido, esos monumentales siete movimientos con la instrumentación original. En cambio, hubo que conformarse con una versión del concierto para oboe y violín BWV 1060a, nada mal, por cierto. Mas yo me desquité por otro lado, porque respecto de esas reconstrucciones sobre los autógrafos conservados fue el intercambio de ideas que tuve con el músico argentino, al finalizar el concierto. Con argumentos simples, pero de solidez irrebatible, Gonzalo se explayó sobre los postulados de Joshua Rifkin, eterno defensor del Bach original, las tesituras de los vientos y como el oboe se acomoda a la perfección entre las cuerdas. Muy amable, me termina obsequiando su último trabajo discográfico, una delicia: Soliloquies. Cuatro transcripciones para oboe de algunas suites bachianas, sumamente bien logradas y ennoblecidas por el singular timbre de la madera barroca. Claro, otra sonoridad, pero nuevamente se me repiten las mismas obras. Aunque debo confesarles algo. Al reiterar la escucha del preludio de la BWV 1008, de la sarabanda de la BWV 1013, del minueto de la BWV 1007 o del gran movimiento inicial de la BWV 1011, no hay descontento que perdure…

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Soliloquies

Gonzalo X. Ruiz, oboe barroco

La Riche Enterprises, 2010 [64’13’’]

Carl Friedrich Abel o el último violista da gamba

2010-08-11T12:32:00.013-04:00

En los albores de la música clásica, al mismo tiempo en que se establecen las nuevas formas y sonoridades, expelen los últimos suspiros algunos de los que antaño eran reconocidos como los grandes y fundamentales instrumentos. Cultos, sabios, al igual que los autores de sus respectivos repertorios. No solo la familia de las cuerdas pinzadas sufre los embates de las nuevas modas, del nuevo estilo. También es el declive de algunos instrumentos de cuerdas frotadas, como la viola da gamba. Al parecer, las especulaciones del violín y las pretensiones del violonchelo logran su objetivo, por más que Hubert Le Blanc publicara en 1740 una desesperada defensa, abogando por el bajo de viola.

Y poco pesó el recuerdo de las deliciosas improvisaciones que resonaron entre las piernas de un ángel o de un demonio, como lo fueron los violagambistas Marin Marais y Antoine Forqueray, respectivamente. O de otros grandes virtuosos, como el toledano Diego Ortiz, que en su tratado de glosas de 1553 sentaba las bases teóricas y prácticas para todo tañedor de viola que se preciara como tal. Y poco también importó que no mucho después, el particular y ácido humor de Tobias Hume las interpretara a su manera. O que el esquivo Sainte-Colombe deslumbrara con su personalísima obra, impregnada de esa melancólica y enfermiza soledad. La memoria no fue el mejor aliado. Pronto, todo se relacionó con hechos de un remoto pasado.

Los nuevos tiempos hablan a través de la juvenil y fresca literatura musical. Melodías asequibles a todo oído. Placenteras para el espectador diletante y también para el más riguroso. Fue el momento en que las privadas y reales cámaras abrieron sus espacios y compartieron los sones que por siglos murieron paulatinamente en las cada vez menos perceptibles reverberaciones cobijadas entre esas cuatro ornamentadas paredes. Fue el momento en que el público pagó por escuchar sus piezas favoritas y, muchas veces, para ver al mismísimo compositor despelucarse frente a su propio manuscrito. Se daba inicio a los conciertos de abono.

Y fue un famoso violista da gamba quien, junto a su entrañable amigo, produce el primero de éstos exitosos eventos, en febrero de 1764. Carl Friedrich Abel y Johann Christian Bach. Como una proyección de lo que cuarenta años antes hicieran sus padres, cuando prestaban servicios al príncipe Leopold von Ahalt-Köthen. Johann Sebastian como Kapellmeister y Christian Ferdinand como instrumentista de orquesta. Pero ahora es en Londres, y más allá de las fronteras británicas, donde se comentarán las novedosas veladas instrumentales. Por los notables hechos musicales presenciados y también por otros sucesos extra musicales, menos decorosos, por cierto. Las crónicas señalan que Abel tañía el bajo de viola mejor cuando, ya en solitario, se presentaba ante el público en un evidente estado de ebriedad, síntoma de la decadencia absoluta de un genio que se perdió entre los aterciopelados aromas del mejor vino antes que entre las nuevas armonías clásicas. Pero supo disimularlo bien, muy bien. Incluso frente a la realeza. Pero no por tanto tiempo, pues Abel enfermó y gravemente. Su carácter se vio profundamente dañado, y qué decir de su cuerpo, claramente resentido por la descomunal ingesta diaria de alcohol. En deplorables condiciones, Carl Friedrich Abel muere a los sesenta y tres años de edad. Y con él se extingue, definitivamente, el arte de la viola da gamba.

Incontinencia fonográfica

2010-08-07T12:13:00.001-04:00

Cuando paso revista a los viejos e innumerables boletines comerciales que acumulo en alguna abultaba y perdida carpeta digital, pienso en la gran cantidad de cds que dejé de comprar en su momento y de los que ahora debo esperar una posible reedición en formato de precio medio-bajo o bajo. No suena tan mal, si sabes esperar, claro. Tengo amigos que sufren de incontinencia fonográfica y llegan a pagar sumas absurdas por la edición original del disco rastreado. Y de segunda mano, muchas veces. En Santiago se puede acceder a ello. Me refiero a discos de segunda mano y a precios absurdos, con el agravante de que te los venden como su fuesen nuevos. Es fácil dar con esa disquería, si hasta le hacen mención en algunas revistas. Antes existía una sucursal en providencia, en un patio famoso. Ahora, sólo cuentan con un local, en el centro de nuestra ciudad, en un barrio turístico. Yo, lo reconozco, compré alguna vez ahí, luego del descuento que tuve que exigir, claro. En esa oportunidad no fui capaz de esperar la (obvia) reedición que luego pude ver en internet y a una, no exagero, quinta parte de lo que pagué en esta disquería. Es que también, lo reconozco, sufro de incontinencia fonográfica. Pero a veces, sólo a veces. Con el tiempo, he ido aprendiendo a tener calma con la compra de discos, al igual que con la adquisición de libros. A modo de ejemplo, esta semana recibí varias de estas tan apreciadas reediciones. Supe esperar y me vi gratamente premiado, porque escucho con particular atención y la más grande de las sorpresas una antigua grabación rescatada por Explore Records, un pequeño sello inglés dedicado al repertorio menos frecuentado del jazz y la música “clásica”. En este caso, son las seis sonatas para cello del multifacético veneciano Benedetto Marcello, que se registraron originalmente para L'Oiseau Lyre, en LP y a fines de la década del setenta, y que ahora relucen con nueva portada en una edición que tiene pocos años. Anthony Pleeth, frente a un instrumento según un modelo Stradivarius de 1732, es acompañado por el gran Christopher Hogwood (clave) y Richard Webb (chelo). ¿Cuándo dejamos de escuchar las imprescindibles lecturas de aquellos pioneros del historicismo? En la simpleza de un formato que no supera los ocho minutos, y con los cuatro característicos movimientos lento-rápido-lento-rápido de la sonata del maduro barroco, Marcello pintó a través de un lenguaje que nos es sumamente familiar, con recursos típicos y esperados incluso, seis cuadros sonoros sin mayores pretensiones, pero de trazos firmes, seguros. Y es en este marco, el de un estilo claro y preciso, que la recreación de las tonalidades pictóricas y musicales de esas miniaturas no pide más de lo que una mano sabia debe otorga a tan límpidas y perfectas melodías. Una música que no requiere más que una elegante elaboración del basso continuo. La música en su esencia, sólo eso. Pero creo que estamos demasiado enceguecidos con la parafernalia actual como para saber reconocer y poder apreciar la belleza contenida en la sencillez misma. Mucho renombre forzado, mucho Jean Christophe Spinosi, exceso de Christina Pluhar y demasiado Jordi Savall. Se encargaron sistemáticamente de redecorar con alardes y desmesuras de todo tipo un repertorio que no lo necesitaba. De mal educar a un público propenso a la pirotécnica superflua. De ahondar con insistencia en lo radicalmente opuesto a una interpretación filológica. Yo, desde hace un buen tiempo, me alejé de esas delirantes lecturas y me refugio, ahora, en la calidez que me ofrece un simple y elocuente chelo barroco bien tañido. Con cuerdas de tripa, siempre. Siempre.

Robert Barto y el laúd de Weiss

2010-07-31T14:37:00.002-04:00

El catálogo de obras de Sylvius Leopold Weiss ha sido llevado al disco por muchas manos, algunas más diestras que otras. Hopkinson Smith, Konrad Junghaenel, José Miguel Moreno, Jakob Lindberg, Paul Beier, Eduardo Egüez, entre otros. Mas de toda la discografía disponible, imprescindible me resulta la serie en curso que registra Robert Barto para el sello Naxos y que este año acaba de lanzar el décimo volumen. Discos de bajo costo, destacan por una correcta toma de sonido, ilustrativas notas musicológicas y por la elección de un intérprete categórico y maduro, que ha realizado un recorrido por todos los períodos creativos del autor, se ha atrevido con las sonatas más complejas y que sorprende con cada nueva entrega. Registros todos absolutamente referenciales, en especial éste último, que da cuenta de las sonatas Nº 28 en fa mayor, Nº 40 en do mayor y del inmenso Tombeau sur la mort de M. Comte de Logy. Una delicia!

Sylvius Leopold Weiss (1687-1750)
Lute Sonatas, Volume 10

Robert Barto, laúd barroco

Naxos, 2010 [74’18’’]

Teclas

2010-07-26T00:10:00.003-04:00

Ludovico Giustini da Pistoia (1685-1743)

Sonata IV in E minor - Preludio: Largo

Andrea Coen, pianoforte

Brilliant Classics, 2010 [3 CDs]

Alegrías y sinsabores en la vida de un Kapellmeister

2010-07-05T23:35:00.005-04:00

Hacia finales del año 1717, Johann Sebastian Bach se traslada con su familia desde la ciudad Weimar a la pequeña corte de Köthen. Acaba ser nombrado Maestro de Capilla del príncipe Leopold von Ahalt-Köthen (1694-1728), un cargo que le atribuye un sinnúmero satisfacciones musicales, personales y económicas. Con treinta y dos años, Bach alcanza la cúspide de la jerarquía musical de su época.

Bach en Köthen

Educado exquisitamente tanto en la política y como en el humanismo, el príncipe Leopold gozaba además de un excelente talento y gusto musical. Era un hábil cantante con voz de bajo y un versado tañedor de violín, clave y la viola da gamba. Y nada extraño resultó que antes de asumir el poder, en 1716, y al regreso de sus viajes de instrucción académica, se preocupara de dar vida a una rica capilla musical, que en 1717 ya contaba con dieciséis excelentes instrumentistas. El primer Kapellmeister fue Augustin Reinhard Stricker (h.1675-h.1720), sucedido a los tres años por el ex organista de la corte de Weimar, Johann Sebastian Bach.

Éste es un período en el que las obligaciones del Kapellmeister apenas atendían la composición de música vocal, (una cantata para el cumpleaños del príncipe y otra para año nuevo) y menos frutos cosechaban en el terreno sacro, ya que Köthen era oficialmente calvinista, credo que rara vez acompaña musicalmente la liturgia. Un hecho que Bach contrarrestó avocándose casi exclusivamente a la escritura instrumental de extrema calidad.

Aunque la producción musical sobreviviente es mínima en comparación a la intensa actividad de la capilla musical, al menos nos queda el legado de una decena de composiciones fundamentales para la historia de la música, rescatadas en oportunas copias manuscritas: la primer parte del clave bien temperado, las sonatas y partitas para violín solo, algunas de las suites orquestales, los célebres seis solos para el cello, el primer esbozo de las suites francesas y los conciertos para diversos instrumentos dedicados a Cristián Luis, margrave de Brandemburgo, delineados con anterioridad, pero firmados en el autógrafo de 1721.

Mas no todo fue alegría en la vida del genio musical. A mediados de julio de 1720 y al retornar de un viaje junto al príncipe, Bach se entera de la muerte de su esposa, Maria Barbara, ocurrida pocos días antes. Y a la desolación familiar, se añade un inesperado desencuentro artístico-profesional: el melómano príncipe pierde repentinamente todo interés por las artes y desatiende su capilla musical. Al parecer, Leopold fue influido fuertemente por su reciente esposa, la princesa Federica Henrietta von Anhalt-Bernburg (1702-1723), tildada de “amusa” por el propio Bach.

Pero había cuatro hijos que resguardar y una necesidad musical que satisfacer. El nuevo matrimonio con Anna Magdalena (1721) aplacó la tristeza y brindó el apoyo necesario en la vida del compositor. Y la vacante en el puesto de Kantor para la iglesia de Santo Tomás en Leipzig, fue la solución que Bach vio en el ámbito profesional. Cargo que, tras un enredado y dilatado concurso, finalmente obtiene. Pero los detalles de este evento corresponden ya a otra parte de la historia…

Las arias más bellas

2010-06-28T10:49:00.004-04:00

George Frideric Handel (1685-1759)

"Mi restano le lagrime"

Joyce DiDonato - Alcina

Il Complesso Barocco
Alan Curtis

Seis solos para el cello

2010-06-26T11:34:00.003-04:00

Desde los inicios del registro fonográfico del repertorio barroco a través de interpretaciones con criterios historicistas, la primera y más ambiciosa empresa fue abordar la monumental obra de Bach. Con un catálogo atiborrado de máximas, las conocidas seis suites para cello fueron uno de los primeros objetivos. Imponentes solos que, sin acompañamiento, llevan al límite las posibilidades idiomáticas del cello, estas suites destacan por una intrincada escritura que se pasea por el contrapunto más fino y las sutilezas más elaboradas. Con instrumentos de época, un cello barroco y un violoncello piccolo, Pieter Wispelwey (Haarlem, 1962) logra una lectura impecable, cálida y de bello fraseo. Un registro absolutamente referencial.

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
6 suites per violoncello solo senza basso

Pieter Wispelwey, cello

Channel Classics, 1998 (2 CD)

Mi discoteca personal: Mario Guada G.

2010-06-06T15:45:00.007-04:00

Ligado a la música desde pequeño, cuando tomaba clases de piano y lectura musical, Mario Guada decide profundizar sus conocimientos y dar forma a su lado artístico. Ahora distribuye su tiempo entre la pedagogía musical, los estudios de Licenciatura en Musicología y el canto coral. Formó parte primeramente y por seis años del Coro Ángel Barja y hoy es miembro estable de la cuerda de tenor de la premiadísima agrupación vocal asturiana El León de Oro, con la que ha trabajado diversos repertorios que abarcan los últimos cinco siglos de música. Pero él ya piensa en dar vida a su propio conjunto de cámara, “para poder acercarme a obras que llevo tiempo deseando cantar y no he podido por diversos motivos”, señala el joven músico que nunca deja de perfeccionar su técnica vocal con diversos maestros. Melómano y fanático de los registros discográficos, Mario nos enseña su prolija y vasta fonoteca.

Cuéntame acerca de tu discoteca personal
Mi fonoteca consta de unos 1530 volúmenes, repartidos entre música barroca y renacentista, aunque también haya espacio para las músicas medievales, algunas de la segunda mitad del XVIII y la música coral, sobre todo de los siglos XX y XXI. Es bien cierto que mi vocación siempre ha “tirado” por repertorios pretéritos y el tema de la música coral viene, en cierta manera, por una deformación profesional.

¿Cómo ordenas tus discos?
Por épocas, de más antiguo a más cercano, y dentro de una misma época suelo colocar primero los discos que constan de varios autores y luego paso a los monográficos o que tienen como mayor presencia la de un determinado compositor, los cuales ordeno por estricta fecha vital de los mismos. Para no armarme demasiado lío con lo que tengo, poseo una base de datos bastante socorrida y muy útil, en la que introduzco cada nueva adquisición.

¿Dónde compras música y en qué cantidad sueles adquirirlos?
La compra on-line suele ocupar todo mi flujo de adquisiciones. Para las compras “físicas”, suelo acudir a El Corte Inglés y a la FNAC, cuyas secciones de música antigua no están mal. Hubo una época en la que también realizaba bastantes compras por catálogo a la empresa española Discoplay, actualmente ya inoperativa. Vía internet, las tiendas que más frecuento son, a nivel nacional, Diverdi y algo Harmonia Mundi España, así como El Corte Inglés. En cuanto a las compras extranjeras, mis tiendas favoritas son las inglesas MDT, Presto Classical y la alemana JPC, aunque he realizado compras a Amazon –la inglesa, francesa, alemana-, la FNAC francesa, Abeille Musique, Zweitausendeins, Disco Web, CD Mail, Goldberg Magazine…
La cantidad de adquisiciones no es constante y varía bastante dependiendo del momento en el que me encuentre. Pueden pasar semanas sin adquirir disco alguno y, en cuestión de un día, “caer” 15 ó 20 en un pedido. Suelo aprovechar bastante las ofertas disponibles para hacer pedidos grandes y así amortizar los gastos de envío.

¿Cuánto es lo más que has pagado por un disco?
No lo recuerdo exactamente, pero creo que por alguna adquisición de esas complicadas, ya casi descatalogadas, puede que haya pagado unos 60 ó 70 euros. Haciendo memoria, puede que una grabación de la ópera Zaïs de J.P. Rameau, en versión de Leonhardt, haya sido la que haya alcanzado ese mayor precio.

¿Cuál es la obra de la que tienes más versiones?
No soy especialmente partidario de acumular demasiadas versiones de una misma obra, y menos siempre que haya nuevas cosas por comprar, escuchar y disfrutar. Pero existen algunas excepciones, con obras que me gustan especialmente. De las grandes obras vocales bachianas, como del Stabar Mater de G.B. Pergolesi, así como de alguna pieza renacentista concreta, como Ego flos campi a 7 de Clemens non Papa o Ne irascaris Domine a 5 de William Byrd, poseo varias. No obstante, la obra que se lleva la palma es, con cinco lecturas distintas, el Membra Jesu Nostri, de Dieterich Buxtehude.

¿Cuál es el cd que más has escuchado?
Esta respuesta temo que no va a encontrar respuesta alguna. Es cierto que hay discos que escucho mucho, pero no soy consciente de si realmente existe un disco que haya escuchado en mayor medida que el resto.

¿A qué hora escuchas música? ¿Usas algún tipo de reproductor portátil?
No tengo una hora fija para escuchar música. Depende en buena medida del tiempo que dispongo para ello. Y sí, poseo un reproductor portátil, un iPod touch, con el que me defiendo bastante bien y que uso de manera recurrente, sobre todo cuando me encuentro fuera de casa. Siempre lo llevo en los viajes a los últimamente me he visto sometido.

¿Cuál fue el último disco que te compraste y qué escuchas por estos días?
El último exactamente ha sido un obsequio, en concreto el praeBACHtorius del Huelgas-Ensemble. Mientras, el Via Crucis de L’Arpeggiata ha sido mi última adquisición. Pero bueno, últimamente también han caído el DVD Sacrificium de Bartoli, un Telemann en CPO con L’Orfeo Barockorchester y algunos discos de polifonía renacentista, como lo último de Stile Antico –dedicado a Sheppard- y también algo de Cinquecento y The Brabant Ensemble.
En estos días ando con un poco de todo: desde ese mismo Via Crucis y ese DVD de Bartoli, hasta un disco de polifonía renacentista dedicado a compositores en tiempos de Carlos V y Felipe II, interpretado por Musica Reservata de Barcelona, pasando por un variado de Stile Antico y el primer disco del volumen 15 de la integral de cantatas bachianas en las lecturas de Koopman y los suyos. El último, último, ha sido ese disco recién adquirido del Huelgas.

¿Cuál crees que es el coro mejor retratado en disco, el que ha logrado un sonido inconfundible grabación tras grabación?
Difícil pregunta. Precisamente creo que esta es una de las principales objetivos que un conjunto busca cuando trabaja durante largos años. Tener un sonido inconfundible y reconocible a lo largo del tiempo supone un magnífico sello de calidad y más si hablamos de un conjunto vocal, que se ve supeditado al cambio relativo en sus voces y plantilla.
Saber cuál es el conjunto que mejor ha sabido mantener ese sonido durante largos años resulta complejo, pues son varios los grupos que han ido creando su propio sonido, ese que les caracteriza, como pueden ser los ingleses The Tallis Scholars y la segunda etapa de The Hilliard Ensemble, o los belgas de Capilla Flamenca, no obstante, puestos a dar una respuesta, puede que me quedara con el sonido del Huelgas Ensemble de Paul Van Nevel. Este conjunto, pese a variar su plantilla en diversas ocasiones –si bien algunos miembros resisten casi desde los inicios-, siempre mantiene ese sonido carnoso, más terrenal, cediendo más importancia a los sonidos graves que los conjuntos ingleses. En definitiva, ese sonido tan “Huelgas” –sobre todo el de la época dorada para Sony Classical-, que para mí ha creado una escuela en esto del canto renacentista –comparada con la otra gran escuela, la británica-, puede resultar el más característico de todos.

Para los polifonistas españoles, ¿tienes alguna preferencia en cuanto a intérpretes?
El caso de la atención a los compositores del bien llamado “Siglo de Oro Español” es paradójico, pues no fueron los propios españoles los primeros en darse cuenta del increíble patrimonio que existía y en prestarle la atención que merecía, muchos menos discográfica, obviamente. Fueron los ingleses los más inteligentes y precoces, aquellos que decidieron que esa música no debía pasar inadvertida durante más tiempo. Como suele decirse: si de quien nace en tierras andaluzas y tiene en ellas sus raíces, viene preparado ya para el flamenco; la tierra idónea para la interpretación de la polifonía renacentista es la inglesa –algunos sitúan su centro en Oxford, puestos a singularizar en extremo-. Así, creo que los ingleses han sido los que mejor han sabido dar cuenta del ingente y maravilloso repertorio de Victoria, Morales, Guerrero, Lobo, Vivanco, Ceballos… Por dar algunos nombres: The Tallis Scholars, The Sixteen, The Monteverdi Choir, Gabrieli Consort, etc. Aún me estoy reponiendo de la impresionante versión del Requiem a 6 de Victoria que pude presenciar en Barcelona, interpretado por ese extraordinario conjunto que es Stile Antico. Algo absolutamente mágico y conmovedor.

¿Un coro?
Considero que no hay un coro total, es decir, un coro que sea capaz de trabajar repertorios tan amplios, como los que pueden ir desde el Renacimiento hasta el siglo XXI, con un mismo estándar de calidad tan alto, que le hagan coronarse como el mejor. Con ello quiero decir que me podría quedar –y aún me resultaría harto complicado- con uno o dos coros para cierto período histórico o un repertorio concreto. Para repertorios medievales me quedo con el Ensemble Organum y Diabolus in Musica. En la polifonía renacentista, la cosa andará entre The Tallis Scholars y el Huelgas-Ensemble. Para el repertorio barroco y sobre todo Bach, me quedaría con el Collegium Vocale Gent y The Monteverdi Choir. Para el barroco francés, con el Choeur de Les Arts Florissants. Si hablamos de música coral contemporánea, mi elección global sería Polyphony, a pesar de que para ciertos compositores en concreto pueda encontrar versiones mejores.

¿Y un director de coro?
Con los directores sucede algo parecido. También necesito hacer una selección por secciones, en las que casi todos coinciden con los grupos seleccionados en la pregunta anterior.
La Edad Media se ve representada por Marcel Pérès. Para repertorios renacentistas me quedo con Paul Van Nevel y Peter Phillips. Para repertorios barrocos y Bach, Phillipe Herreweghe y John Eliot Gardiner. Para el barroco francés elegiría a William Christie y Marc Minkowski. Y para la música coral contemporánea a Stephen Layton.

¿Un sello discográfico?
Existen dos grandes grupos de sellos discográficos, aquellos que mantienen un excelente nivel de intérpretes y grabaciones, los cuales se interesan por grabar con la mejor calidad posible y se molestan en buscar repertorios y obras excelsas, y aquellos que buscan lo mismo que los del primer grupo, pero además se preocupan por la estética del disco y el convertir al mismo en un objeto de valor artístico, cuidando en exceso sus presentaciones, portadas, imágenes, notas. Entre los primeros podemos nombrar a Hyperion, Chandos, CPO, Decca, Gimell, Naïve, Naxos, Symphonía, Challenge Classics o Virgin, entre otros. Para los segundos: Alpha, Alia Vox, Mirare, Ramée, Ricercar, Glossa, Harmonia Mundi y Arcana. Creo que para quedarse con uno sólo de ellos habría que acudir al segundo grupo, pues considero al disco como un objeto artístico global, único y valioso. Por lo tanto, teniendo en cuenta todo el contenido, pero también el continente, puede que me quedase con Harmonia Mundi.

Y para una isla desierta, ¿cuántos discos te llevas y cuáles?
Hace poco realicé uno de esos test que se propagan por una conocida red social y en el que se me invitaba a citar veinte discos que me hubieran marcado. Puesto que ya tengo esa lista hecha y bien podría valer para llevarme a una isla, pues:

- Anónimo (Siglo XIII): Le Chant des Templiers. Ensemble Organum - Marcel Pérès. Ambroisie.
- Anónimo (1328-1410): Honi soit qui mal y pense!. Diabolus in Musica - Antoine Guerber. Alpha.
- VV.CC. (obras del Codex Las Huelgas, Tallis, Porta, Desprez, Ockeghem, Manchicourt, G. Gabrieli, Striggio, Agricola, Pipelare, Brumel, Flecha el viejo, Festa, Gombert, Lassus, Gallus, Joào Lourenço Rebelo, anónimos...): A Secret Labyrinth. Huelgas-Ensemble - Paul Van Nevel. Sony Classical.
- VV.CC. (obras de Fayrfax, Hygons, Turges, Browne, Cornysh, Davy, Sheryngham, Lambe, Wylkynson, Kellyk, Nesbett, Monk of Stratford, Plummer y anónimos): The Eton Choirbook Collection. The Sixteen - Harry Christophers. Coro.
- VV.CC. (obras de Thomas Tallis y William Byrd): Heavenly Harmonies. Stile Antico. Harmonia Mundi.
- Josquin Desprez: L'Homme Armé Masses. The Tallis Scholars - Peter Phillips. Gimell Records.
- Jacob Obrecht: Missa Maria Zart. The Tallis Scholars - Peter Phillips. Gimell Records.
- Jean Richafort: Requiem [In memoriam Josquin]. Huelgas-Ensemble - Paul Van Nevel. Harmonia Mundi.
- Cristóbal de Morales: Officium Defunctorum & Missa Pro Defunctis. La Capella Reial de Catalunya & Hespèrion XX - Jordi Savall. Astrée (Auvidis).
- Tomás Luis de Victoria: Officium Hebdomadae Sanctae. La Colombina - Josep Cabré & Schola Antiqua - Juan Carlos Asensio. Glossa Music.
- Claudio Monteverdi: Selva Morale e Spirituale. Cantus Cölln - Konrad Junghänel & Concerto Palatino. Harmonia Mundi.
- Dieterich Buxtehude: Membra Jesu Nostri. Concerto Vocale - René Jacobs. Harmonia Mundi.
- Johann Sebastian Bach: Mass in B minor. Bach Collegium Japan - Masaaki Suzuki. BIS Records.
- George Frideric Handel: Utrecht Te Deum & Jubilate & other works. Oxford Christ Church Cathedral Choir & Academy of Ancient Music - Simon Preston & Christopher Hogwood. Decca Classics.
- Morten Lauridsen: Lux Aeterna. Polyphony & Britten Sinfonia - Stephen Layton. Hyperion Records.
- Eric Whitacre: Cloudburst and other Choral Works. Polyphony - Stephen Layton. Hyperion Records.

Membra Jesu Nostri o siete cantatas apasionadas

2010-06-01T10:05:00.004-04:00

De acuerdo al Buxtehude Werke Verzeichnis y correspondiente a la entrada número setenta y cinco de dicho catálogo, Membra Jesu Nostri es un ciclo sacro de siete breves cantatas concebido en torno a un igual número de meditaciones sobre diversas partes del cuerpo de Cristo crucificado: los pies, las rodillas, las manos, el costado, el pecho, el corazón y el rostro. Escrito en 1680 y dedicado a Gustav Düben (1628-1690), director de la orquesta de la corte sueca y organista de la iglesia alemana en Estocolmo, Membra Jesu Nostri es la musicalización de un texto latino medieval tomado de la Rhytmica oratio o “Salve mundi, salutare”, atribuido a veces al monje cisterciense francés Bernard de Clairvaux (1090-1153), otras veces al poeta Arnulf von Löwen (c. 1200-1250), que pertenecía a la misma orden religiosa.

Única composición con estas características en el catálogo de obras de Buxtehude, y cuya música pudo haber servido para el oficio de Vísperas de Semana Santa tanto en Estocolmo como en Lübeck, Membra Jesu Nostri alberga una estructura constante a lo largo del ciclo y una instrumentación idéntica en seis de las siete cantatas, a saber: una sonata para dos violines, cello y continuo; un concertato vocal escrito para tres o cinco partes acompañadas por la misma instrumentación; tres arias intercaladas por breves ritornelos instrumentales delineados por los violines, y finalmente, otro concierto, similar al expuesto inicialmente.

Abre el ciclo Ad pedes en la tonalidad de Do menor. Sigue Ad genua, única cantata con tonalidad mayor, de Mi bemol, pero rápidamente el compositor busca relaciones armónicas que nos sitúen en una atmosfera más sombría. Luego Ad manus, en Sol menor, que exhibe disonancias que evocan las heridas producidas por los clavos en las manos de Cristo. Se suceden Ad latus, Re menor, y Ad pectus, La menor. En la sexta parte del ciclo, Ad cor, escrita en la tonalidad de Mi menor, es cuando los violines y el cello son sustituidos por un consort de cinco violas da gamba, instrumentación más idónea en relación a la emotividad y dolor del texto entonado en el concierto vocal, en este caso por dos sopranos y un bajo. Cierra la serie, Ad faciem, que nos remite a la tonalidad propuesta al inicio, Do menor, y con un obligado añadido, un elaborado y conclusivo Amén.

El registro

Membra Jesu Nostri (BuxWV 75) ha sido materia obligada para todos los grandes directores especializados en la interpretación del repertorio barroco con criterios historicistas. Pero es la lectura de Jos van Veldhoven (Den Bosch, 1952) la que destaca por sobre el resto. Prolijo en el tratamiento vocal e instrumental, Veldhoven se ajusta a la práctica interpretativa del siglo XVII y, prescindiendo del ripienio, con tan solo un coro de cinco solistas, quienes cubren los concertados y las arias individuales, logra una expresividad sobresaliente. Las cuerdas, frotadas y pulsadas, y el órgano otorgan un soporte espléndido en todo momento. Grabación referencial.

Dietrich Buxtehude (c.1637-1707)
Membra Jesu Nostri

The Netherlands Bach Society
Jos van Veldhoven

Channel Classics, 2006

Weiss y el arte del laúd barroco. Del repertorio instrumental, parte II

2010-05-28T22:31:00.014-04:00

Hijo y hermano de laudistas, pareciese que la vida de Sylvius Leopold Weiss estaba predestinada para brillar en el mundo de la música. Nacido en 1687, a los dieciocho años ya era reconocido como un gran intérprete de cuerdas pulsadas, lo que le significó ser compañía de viaje de nobles y aristócratas por diversas cortes e importantes ciudades. Primero Brieg, Kassel y Düsseldorf, luego Roma y también Dresde, Viena, Munich, Praga, Berlín y Leipzig. Donde fuera, Weiss no dejaba de sorprender, como músico solista o como continuista. La habilidad de Sylvius era siempre digna de mención y sus interpretaciones suscitaban un enorme interés. Ernst Gottlieb Baron, Luise A. V. Gottsched, Joahann Nickolaus Forkel, Johann Friedrich Reichardt, músicos, teóricos y biógrafos manifestaron elogiosas palabras al delicado toque del hábil tañedor, a su inagotable riqueza al momento de improvisar.

En 1718, Sylvius Leopold obtiene el puesto de músico para la corte de Augusto el Fuerte (1670-1733), Elector de Sajonia y Rey de Polonia, en Dresde, una ciudad que presumía de una de las orquestas más emblemáticas y en la que participaban célebres instrumentistas y compositores de la talla de Johann David Heinichen, Francesco Veracini, Johann Adolf Hasse y Johann Georg Pisendel, por citar a algunos.

Las ocupaciones del gran laudista, además de servir en la cámara de la familia real como solista, era formar parte de la orquesta para las presentaciones de conciertos, óperas y también para los servicios religiosos. Es el cargo que Weiss ejerce por el resto de su vida, con un salario exageradamente alto. Así de cotizada era su genialidad. Así también se evitaba que una corte rival lo tentase a emprender otro viaje.

El repertorio

Sin ostentar publicación alguna, el grueso de la obra musical de Sylvius Leopold Weiss se conserva en dos principales fuentes, los manuscritos de Londres y Dresde. Y es la “suonata”, que era como Weiss denominaba lo que comúnmente se conoce como suite, la estructura que alberga casi la totalidad de sus creaciones para el laúd solista. Las algo más de 600 piezas se ordenan según la práctica de la época, es decir, una sucesión de danzas de carácter antecedida por preludio, generalmente improvisado, e intercalada por otras miniaturas típicas, como un paysane, un bourrée o un menuet. Pero también hay espacio para las ouvertures, fantasías y fugas, chaconas y pasacalles, como parte de las mismas suites o como movimientos individuales.

Weiss concibe su obra en el marco de la retórica musical germana, es decir, una precisa mezcla entre las formas francesas, como lo es la suite de danzas, el estilo cantabile italiano, caracterizado por ese natural fluir de las melodías, y el contrapunto de una escritura sumamente elaborada que sorprendió a sus contemporáneos más críticos. Y cómo no, si es imposible no caer rendido ante la regia Ouverture de la sonata Nº 52 en do menor, la grandeza de la allemande de la suite Nº 48 en fa sostenido menor, las sorprendentes agilidades de la courante de la sonata Nº 11 en re menor o la melancolía de la sarabande de la sonata Nº 2 en re mayor. Y cómo no reflexionar frete a los dos enormes tombeaux del autor, extraordinarios poemas musicales, evocaciones dedicadas a una alta personalidad, también un ser querido.

Porque Weiss hizo lo que nadie pensaba que era posible con un instrumento que sufrió modificaciones propuestas por él mismo y que alcanzó los trece órdenes o pares de cuerdas. Un instrumento que de por sí ya era difícil de afinar, más aún de tañer. Weiss era diestro en el tratamiento de los matices y gozaba de una depurada técnica. Pero no practicó el virtuosismo superfluo, ya que supo vestir a cada una de sus creaciones con ropajes sofisticados. Una música de la más alta confección, rica en detalles, culta y compleja, pero ante todo, sobrecogedora. Señalado como el máximo representante del arte del laúd no sólo del barroco, sino de todos los tiempos, Sylvius Leopold Weiss muere el 16 de octubre 1750.

Mi discoteca personal: Ana de la Robla

2010-05-21T15:45:00.007-04:00

Historiadora y filóloga. Poeta. Ana de la Robla es autora de una decena de libros académicos relativos a la Historia y la Literatura. Ha publicado también una treintena de trabajos en revistas científicas especializadas y varias traducciones de epigrafía y retórica latinas. Ha impartido conferencias y lecturas en diversas universidades e instituciones culturales españolas y extranjeras (Institutos Cervantes de Munich y Londres, CONAC de Caracas, Universidades de Munich, Eichtätt, Maracay…). Colabora regularmente en diversos medios de prensa realizando crítica literaria, musical y de artes plásticas. Dirige en Santander la Revista de Cultura QVORVM y mantiene en la web dos bitácoras de tema cultural y literario: Hablemos de Victorias y El Pozo y el Péndulo. Ha sido Asesora Cultural en la Universidad de Cádiz. En la actualidad es así mismo Directora del Aula de Letras de la Universidad de Cantabria, desde donde lleva a cabo la programación cultural de esta institución. Como poeta, ha publicado los libros La última palabra (2009), Acción de gracias (2006), Naturaleza muerta (2000), La sombra sostenida (1997) y Reloj de agua (1995). Entre tanta actividad y con la gentileza que la caracteriza, Ana se da el tiempo y responde a mis inquietudes…

Cuéntame acerca de tu discoteca personal, ¿cómo ordenas tus discos?
Procuro llevar un orden alfabético por autores, y dentro de autores, por obras. En los casos –tan frecuentes- en que un disco reúne obras de compositores diversos, recurro a clasificarlos por sellos, y dentro de los sellos por cronología, cuando ello es posible. Tengo buena memoria para la imagen; una vez que he visto un disco, ya no olvido su portada ni su sello de edición.

¿Dónde compras música y en qué cantidad sueles adquirirlos?
La mayor parte de la música que compro la adquiero por Internet, es el único modo de conseguir todo lo que quiero, y además no es infrecuente encontrarlo más barato que en tiendas no virtuales; soy asidua en particular de MDT y JPC, además de Amazon en cualquiera de sus modalidades (América-Europa, vendedores particulares). De todos modos, cuando viajo a ciudades grandes y/o con buenas tiendas de música, siempre entro y compro. Hay un par de lugares, no obstante, en los que consumo sistemáticamente de forma “presencial” porque me siento a gusto: Diverdi (Madrid) y Harmonia Mundi (Santander).

¿Cuánto es lo más que has pagado por un disco?
Nunca una cantidad reseñable. Procuro no pagar precios desorbitados por la música; me ocurre lo mismo con los libros. Hay discos agotados cuya rareza y hermosura los hace muy cotizados, pero procuro no caer en esas tentaciones. La experiencia me dice que la mayor parte de esos discos más tarde o más temprano se ponen en tu camino a un coste razonable. Hace días, lo cuento como anécdota, buscando los corales Schübler de Bach para regalar a un amigo, me encontré con una versión (precisamente la que intentaba localizar, a cargo de Koopman) por la que pedían 280 dólares, que por supuesto no aboné. Puedo pagar por una grabación el doble y hasta el triple de lo que vale, pero no más. Eso sí, mi paciencia es inagotable a la hora de esperar por un disco y de perseverar en su búsqueda.

¿Cuál es la obra de la que tienes más versiones?
Probablemente de varias de Bach (la PSM, las suites para cello o las Goldberg); también “colecciono” Sonatas del Rosario de Biber. De estas que te cito, que yo recuerde, tengo más o menos unas diez de cada una, aunque tampoco sea este un número pasmoso. En todo caso, no padezco demasiada “versionitis”; al final, por varias versiones que poseas de una obra, acabas por escuchar siempre las dos o –como máximo- tres que prefieres.

¿Cuál es el disco que más has escuchado?
No sabría decirlo a ciencia cierta, pero seguro que alguno de Bach, a quien escucho prácticamente a diario.

¿A qué hora escuchas música?
Cualquier hora es buena para mí, pero dedico más tiempo por la noche en los días de diario; si es jornada de descanso, el reproductor funciona ya desde la mañana.

¿Qué recomendarías escuchar a primera hora del día y antes de dormir?
A primera hora del día hay que revitalizarse y mineralizarse. Te pones los conciertos de La Stravaganza de Vivaldi (con Rachel Podger), los Concerti Dresden de Heinichen (MAK) o una sesión de barroco francés por Minkowski y ya puede decirte cualquier energúmeno lo que sea. Por la noche prefiero algo más pausado: unas sonatas de Buxtehude (Montanari), el laúd de Weiss (Barto), el cello de Bach (Bylsma o la segunda de Ter Linden), algo de Marini (Palladian Ensemble o Romanesca)…

¿Cuál fue el último disco que te compraste y qué escuchas por estos días?
Lo último que me ha llegado es un disco llamado The mistery of Sign. Mouthon, por Ars Antiqua Austria y Gunar Letzbor; una singular grabación de diez conciertos para cinco instrumentos que me tiene realmente embobada.

¿Un sello discográfico?
Como amante de la música antigua y barroca, eso es muy difícil de decir en estos tiempos en que están surgiendo sellos magníficos: Zigzag tiene un catálogo excelente con algunas versiones que han pasado ya a ser de inexcusable referencia (Biber, Matteis, Vivaldi, Westhoff…), Raumklang está haciendo cosas muy rigurosas y bien elaboradas… Pero no se puede dejar de citar Naïve, la impecable Alpha, Atma, Harmonia Mundi… Es imposible quedarse sólo con uno.

Un director, una orquesta, un instrumentista y un cantante...
Te has propuesto formularme preguntas difíciles… Sin acotar tiempos (quiero decir, vivos o no, jóvenes o menos…) es difícil contestar. Como director y orquesta, y haciendo una terrible injusticia de omisiones múltiples, elegiré a William Christie con Les Arts Florissants, pues mucho es lo que han hecho por que la música antigua se entienda como debe entenderse y por insuflarle un hálito maravillosamente delicado y expresivo. Instrumentistas… Reinhard Goebel al violín por mencionar un monstruo (al frente de los MAK fue el más grande, y mira que ahora hay violinistas de quitarse el sombrero), Pierre Hantaï (que es ya un clásico al clave) o Hopkinson Smith en el laúd por su humanidad y sabiduría extraordinarias. Como cantantes mencionaría a Lynne Dawson o Carolyn Sampson, que tienen una elegancia difícilmente superable, o a Andreas Scholl, por el que siento una especial querencia (y también por romper una lanza a favor de los contratenores, a los que se olvida con demasiada frecuencia).

Y para tu isla desierta, ¿cuántos discos te llevas y cuáles?
Otra pregunta casi incontestable… Te diría más bien un pequeño puñado de autores: Monteverdi, Bach, Haendel, Biber, Weiss, Marais, Purcell, Telemann. Con dos o tres discos de cada uno de ellos (por si en la isla no hay demasiado sitio) ya se tiene para unos cuantos años…

Del repertorio instrumental

2010-05-20T08:03:00.004-04:00

Cuando la Europa renacentista de comienzos del siglo XVI vive despertar del repertorio instrumental solístico, rápidamente se suceden las publicaciones de colecciones con la nueva literatura musical que evolucionará progresivamente y que madurará en los límites del barroco y del estilo galante. Primero fueron intabulaciones de canciones de danza, de frottole, madrigales y villancicos, y las imposibles reducciones de misas, todas con la seña da sonar en vez de da cantar, las que representaban el novedoso repertorio instrumental. Pero pronto surgirán formas originales, un universo de piezas propias, idiomáticas, concebidas desde y para el mismo instrumento: ricercari y fantasías; glosas, diferencias y variaciones sobre "tenores", y también, ya en el barroco, chaconas, pasacalles, fugas y suites de danzas de carácter.

En un comienzo los instrumentos de tecla, y por sobre todo los miembros de la familia del laúd, con los que se podían adaptar las distintas partes de la música polifónica renacentista en manos de un solo intérprete, son quienes celebran la concepción de estas novedosas formas, creaciones de un inspirado grupo de compositores que consolidaron un estilo inédito, exclusivo e individual. En el temprano cinquecento, “il divino” Francesco da Milano crea para el laúd de seis órdenes una serie de piezas contrapuntísticas de carácter imitativo denominadas ricercari, así como lo hiciera John Dowland en la Inglaterra isabelina con sus fantasías y danzas propias de la época de Shakespeare. El siglo de oro español nos lega un único y singular repertorio para la culta vihuela consistente en siete principales tomos, publicados entre 1536 y 1576, y luego la guitarra barroca brillará en manos de Gaspar Sanz, Francisco Guerau y Santiago de Murcia. Ya en los albores del barroco italiano, Alessandro Piccinini y Michelangelo Galilei hacen lo propio con el chitarrone y el laúd de 10 órdenes, respectivamente. Y son Ennemond Gaultier, Charles Mouton, Jacques Gallot y Robert de Visée los grandes maestros de las cuerdas pulsadas en la Francia de Luis XIII y Luis XIV. Alemania luce con Johannes Hieronymus Kapsberger y Esaias Reusner, pero el primero está más cercano a las sonoridades italianas de la tiorba y el segundo, con su laúd de once órdenes, asume las formas y ademanes del lenguaje francés. Mas una figura totalmente representativa de la singular retórica musical de los países de habla alemana tardará en surgir. Habrá que esperar a que el barroco madure...

Música y lecturas

2010-05-10T09:33:00.005-04:00

No tenemos tiempo para escuchar toda la música que deberíamos. Entre el trabajo y las lecturas diarias, no es mucho el tiempo que nos queda. Yo mezclo, musicalizo. Abro El afinador de pianos (Salamandra) de Daniel Mason y releo sus pasajes más musicales. De fondo suenan nocturnos en un piano Érard, el tipo de instrumento que inspiró a Mason para escribir su exitosa novela. Un piano más romántico que clásico. Es un modelo de 1837 el que escucho y sobre el que Bart van Oort posa sus manos para recrear las páginas de Frédéric Kalkbrenner, Clara Schumann, Edmond Weber, Charles-Valentin Alkan, Mikhail Glinka e Ignacy Feliks Dobrzynski, entre otros. Una delicia del sello Brilliant. Otro libro, otro éxito. La elegancia del erizo (Seix Barral), de Muriel Barbery. ¿No es acaso el capítulo octavo de la quinta parte lo más melómano de la novela? “No es sólo bella, es sublime, y lo es por un encadenamiento increíblemente denso de los sonidos, como si los ligara una fuerza invisible y como si, a la vez que se distinguen, se fundieran los unos con los otros, en la frontera de la voz humana, casi en el territorio ya del lamento animal.” Son palabras de la profesora de filosofía que escribe sobre el Dido y Eneas de Purcell y yo recuerdo las grabaciones de Haïm (Virgin) y la de Jacobs (Harmonia Mundi). Son complementarias, tanto que si sacamos un poco de aquí y otro poco de allá, armamos un cuadro perfecto. A René Jacobs le cedo la batuta, ni dudarlo, y a Emmanuelle Haïm la relego al continuo. Susan Graham canta Dido y Gerald Finley, Eneas. Belinda, Rosemary Joshua. La hechicera queda perfecta en voz de Felicity Palmer y las brujas inigualables con Dominique Visse y de Stephen Wallace. Charles Daniel, el espíritu y Paul Agnew, el marinero. Shakespeare, la invención de lo humano, de Harold Bloom, lo acompaño con pavanas de compositores isabelinos. Escojo otro libro. Chopin, de Bernard Gavoty (Vergara) y ahora escucho una gran selección de piezas editadas por el sello Alpha. Arthur Schoonderwoerd y un Pleyel de 1836. Nada como escuchar romanticismo en un piano de época. La sonoridad te transporta, te eleva. Soy un convencido de las interpretaciones con criterios historicistas, para todos los períodos de la música. Y ante ese tipo de registros me inclino preferentemente. Otra biografía, escrita por Christoph Wolff y reeditada por Ma non troppo, ahora en un solo tomo. Bach, el músico sabio. Divago entre sus páginas y selecciono algunas piezas para el clave, al azar. Christophe Rousset y las suites francesas, también las inglesas. Uno siempre vuelve a Bach. ¡Qué maravilla! Nos falta tiempo para tanta lectura, para tanta música…

Música sacra

2010-05-02T10:20:00.003-04:00

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Aus der Tiefen rufe ich, Herr, zu dir - BWV 131

The Amsterdam Baroque Orchestra and Choir

Ton Koopman

Dietrich Buxtehude

2010-05-01T12:00:00.007-04:00

Ideas breves

Algunos musicólogos se inclinan por Helsingborg, Skåne, sur de Suecia. Otros aseguran que ocurrió en Bad Oldesloe, en el Estado de Schleswig-Holstein, Alemania. Lo cierto es que aún no hay consenso para fijar en cuál de las dos por entonces ciudades dominadas por la corona danesa y en torno al año 1637 nace Diderik Buxtehude.

De acuerdo a la costumbre de la época, Diderik adquiere su primera instrucción musical en su entorno familiar, específicamente de Hans Jensen Buxtehude, su padre, que era músico. Luego, y con veinte años, asume sus primeras funciones como organista, primero para la Marienkirche de Helsingborg y después para la iglesia de Helsingør. Y en 1668 es elegido en el mismo cargo para la Marienkirche de Lübeck, ciudad donde sucede en el puesto al maestro Franz Tunder, que había muerto el año anterior.

Llamado ahora Dietrich, de acuerdo a la germanización de su nombre, Buxtehude hace algunos significativos cambios en las tradiciones musicales y establece para la Marienkirche de Lübeck una serie de conciertos denominados Abendmusiken, célebres eventos a realizarse los domingos de adviento y que suscitaron un inmenso interés no sólo local, pues hasta participaban algunos músicos venidos de Hamburgo.

Distinguido en vida, Buxtuhude representó lo más alto de la tradición organística de la Alemania septentrional y ejerció una influencia decisiva en la siguiente generación de compositores, particularmente sobre el joven Johann Sebastian Bach, quién en 1705 emprende un kilométrico viaje a pie a la ciudad de Lübeck para profundizar sus conocimientos musicales y apreciar de cerca el arte del viejo maestro. Famosa es la anécdota de las cuatro semanas que Bach había solicitado como permiso para ausentarse de su primer puesto de trabajo, como organista de la ciudad de Arnstadt, en la región de Turingia, licencia que se extendió unilateralmente por… ¡cuatro meses! Y grande debió ser la fama de Buxtehude, ya que antes había recibido la visita de Johnnes Pachelbel y luego del mismo Georg Friedrich Händel junto a su multifacético amigo Johannes Mattheson, en 1703.

Buxtehude rondaba los 70 años y cumplía así una prolongada labor de casi cuatro décadas en la Marienkirche. Urgía encontrar un sucesor. Finalmente se designa a Johann Christian Schieferdecker, quién, en algo normal para la época y tal como lo hiciera Buxtehude con la hija menor de Tunder, se casó con la heredera del célebre organista, algunos meses después de la muerte de éste, acaecía en mayo de 1707.

El legado musical

Buxtehude escribió una variada obra musical que se puede clasificar en un poco más de cien cantatas sacras con diversas estructuras; otra veintena de composiciones vocales divididas en obras litúrgicas, para la celebración de las bodas de algunos distinguidos ciudadanos y música para otras festividades; casi noventa composiciones para el órgano, de carácter espontáneo; veinte suites de danzas para el clave, casi siempre formadas por la sucesión de allemande, courante, sarabande y gigue; otras seis composiciones para el clave basadas en variaciones sobre un tema, y, finalmente, veinticuatro sonatas para cuerdas.

Para una primera y por qué no definitiva aproximación a estas sonatas, absolutamente recomendables son tres discos originalmente editados por Dacapo y reeditados luego por Naxos. Los dos primeros volúmenes de la serie Complete Chamber Music están dedicados al Op. 1 y Op. 2, es decir, catorce sonatas para violín, viola da gamba y continuo. El tercer volumen incluye otras seis sonatas, pero para diversas combinaciones instrumentales: dos para un violín y viola da gamba; una para viola da gamba y violone, y tres para dos violines y viola da gamba, todas siempre con basso continuo. Corrijo, más que recomendables, discos obligatorios.

Dietrich Buxtehude (c.1637-1707)
Six Sonatas

John Holloway, violín
Ursula Weiss, violín
Jaap ter Linden, viola da gamba
Mogens Rasmussen, viola da gamba
Lars Ulrik Mortensen, clave

Naxos, 2008 [52’35’’]

Ostinatos...

2010-04-29T12:35:00.003-04:00

Antonio Bertali (1605-1669)

Ciaconna

L'Arpeggiata

Christina Pluhar

Música sacra

2010-04-25T11:35:00.002-04:00

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Wir müssen durch viel Trübsal in das Reich Gottes eingehen - BWV 146
II. Coro - "Wir müssen durch viel Trübsal..."

Monteverdi Choir
English Baroque Soloists
John Eliot Gardiner

Ostinatos...

2010-04-22T13:13:00.001-04:00

Francesco Maria Veracini (1690-1768)

Sonata No 12 in re minore "Ciaconna"

Fabio Biondi, violín

Maurizio Naddeo, cello
Pascal Monteilhet, tiorba
Rinaldo Alessandrini, clave

Variaciones

2010-04-21T11:12:00.001-04:00

Dietrich Buxtehude (1637-1707)

Aria "More Palatino" - BuxWV 247

Ton Koopman, clave

Melancolías francesas

2010-04-18T16:44:00.012-04:00

Ya se siente el otoño. Yo, en cama y con gripe, me envuelvo de lecturas y me arropo con audiciones dedicadas a los franceses. Creo que lo más adecuado son las sonoridades graves, cálidas, melancólicas. Las piezas para angélique por José Miguel Moreno en esa inhallable producción de Glossa es lo primero. ¿Por qué el sello español no la reedita en su serie Cabinet si ya lo hizo con las piezas de Robert de Visée y las de Sylvius Leopold Weiss? Sólo nos queda esperar. Los Conciertos Reales de François Couperin también se me hacen obligatorios, la de Savall. No por él, sino por los músicos invitados: Alfredo Bernardini, Manfredo Kraemer, Bruno Cocset, Marc Hantai. Y si estoy con Couperin “el grande”, paso inmediatamente a sus pièces de violes. La lectura de Pierlot (Mirare), absoluta, ¡qué fraseo! El gran violista da gamba del siglo XVII, Marin Marais, llamado "el ángel", también me acompaña. ¿Existe un registro más bello que el de Sophie Watillon? Lo dudo. Las mejores Folies d’Spagne en disco, sin lugar a dudas. ¿Qué fue de Pascal Monteilhet? Era de los pocos laudistas que sin otro apoyo instrumental sostenía sobradamente el continuo de un movimiento de sonata con ingenio y gracia. No desarrollaba los cifrados, ¡componía sobre la marcha! Esas sonatas para cello de Vivaldi no conocieron mejores cuerdas pulsadas que las del gran tiorbista francés. Monteilhet dejó un espléndido trabajo sobre Robert de Visée para su última casa editora, Zig Zag Territoires, piezas del Maître du Roy. En esa ocasión se trató de transcripciones de algunas suites: para violín, traverso y viola da gamba, siempre acompañadas por la tiorba. Paso revista a todo registro donde participan Les Basses Réunies, singular conjunto de espléndidos continuistas encabezados por el chelista Bruno Cocset, que de tanto acompañar a otros artistas, termina grabando cuanto repertorio existe para instrumentos graves. Pascal fue parte fundamental del equipo. Su elegancia y delicado gusto musical resalta en cada disco. Ahora Cocset recurre, con errores graves de por medio, a algún reemplazante pasajero. ¿No había otro laudista con espacio en su agenda más que Luca Pianca al momento de abordar el Op. 5 de Geminiani? Inexplicable, como también lo es el que no encuentre mi disco con las sonatas para violoncello de Jean Barrière. Si siempre lo tengo a mano. Mientras busco y revuelvo entre mis libros, escucho de fondo otras sonatas, sies, pour violoncelle avec la basse continue, de Antoine Dard. Otras melancolías, las de la viola de gamba, condenada a desaparecer frente a los embates del cello.

Música sacra

2010-04-18T11:47:00.003-04:00

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Ich will den Kreuzstab geme tragen - BWV 56
I. Aria - "Ich will den Kreuzstab geme tragen"

Klaus Mertens, bajo

The Amsterdam Baroque Orchestra and Choir
Ton Koopman

Ostinatos...

2010-04-16T14:56:00.002-04:00

Jean-Baptiste Lully (1632-1687)
Chaconne de Phaëton

Christophe Rousset, clave

Ostinatos...

2010-04-15T10:30:00.003-04:00

Marin Marais (1656-1728)
Chaconne (Livre V)

Josh Cheatham, viola da gamba
Julien Léonard, viola da gamba
Skip Sempé, clave

Mi discoteca personal: Pablo J. Vayón

2010-04-13T22:04:00.006-04:00

Ya son once los años que han pasado desde que el respetado crítico musical español Pablo J. Vayón escribiera sus primeras reseñas para el Diario de Sevilla y la revista Scherzo. “Luego llegaron Diverdi y otras muchas colaboraciones con sellos discográficos, festivales, orquestas, teatros, fundaciones y publicaciones variadas de toda España y parte del extranjero”, añade quién en un comienzo ofició de mozo de almacén para una editorial de libros de texto, de bibliotecario y como corrector de libros para editoriales e instituciones varias. Con un tomo publicado sobre la Música Clásica en Andalucía, decenas de artículos y miles de reseñas, el Licenciado en Historia Moderna y Contemporánea recorre su voluminosa fonoteca y nos habla de su trabajo.

– ¿Cómo ordenas tus discos?
– Por épocas, por la fecha de nacimiento del compositor principal, y, en el caso de los discos en que sea difícil identificar uno, por la fecha que mejor singularice el CD. Tengo en el disco duro de mi PC una pésimamente elaborada base de datos, que trata de recoger cada pieza individual de cada disco y que me permite tener controlado el lugar aproximado que ocupa cada uno de ellos en las estanterías. Pero en esta base informatizada no está incluida ni siquiera la mitad de los discos que ahora mismo poseo, lo que unido al escaso espacio que me va quedando en casa, hacen que la nota esencial de mi fonoteca sea la del desorden, causa de frecuentes dolores de cabeza, cada vez que razones profesionales o peticiones de amigos me obligan a buscar justo ese disco que nadie sabe ya dónde ha podido ir a parar. En resumen, un desastre.

– ¿Dónde compras música y en qué cantidad sueles adquirirlos?
– Desde hace once años, apenas compro discos, me los mandan para comentarlos, y como por el trabajo pagan bien poco (o nada), el CD va incluido en el precio de mis servicios. Antes, compraba fundamentalmente en El Corte Inglés. Ahora, si compro algo es en alguna tienda virtual (zweitausendeins.de o jpc.de principalmente, no sé qué tienen los alemanes, la verdad), aunque también he hecho algún encargo en el FNAC. No controlo la cantidad de discos que ingreso anualmente (o sí, pero no los cuento), aunque hace tiempo que la media debe de estar en torno a uno al día, y, cuando hace unos años las grandes multinacionales de clásica funcionaban en España más o menos todas, pudo rozar el doble.

– ¿Cuánto es lo más que has pagado por un disco?
– Ni idea.

– ¿Cuál es la obra de la que tienes más versiones?
– Uf... Imposible de saber ahora mismo, aunque imagino que la cosa estará entre Las cuatro estaciones de Vivaldi, las Suites para violonchelo solo, las Partitas para clave y las Variaciones Goldberg de Bach, las Vespro de 1610 de Monteverdi y el Winterreise de Schubert.

– ¿Cuál es el cd que más has escuchado?
– No sé.

– ¿A qué hora escuchas música? ¿Usas algún tipo de reproductor portátil?
– No tengo hora para escuchar música. Por razones de trabajo, estoy escuchando música, en una u otra situación, la mayor parte del tiempo que paso en mi estudio, que son muchas horas diarias, y lo hago en un equipo convencional (amplificador, lector de CD y monitores), aunque ocasionalmente (y por razones profesionales), alguna cosa no tengo más remedio que oírla en el PC. En la calle escucho a veces música pop con unos auriculares conectados a mi teléfono móvil.

– ¿Qué recomendarías escuchar a primera hora del día y antes de dormir?
– Cada día una cosa distinta. Por ejemplo, mañana no estaría mal empezar con los vihuelistas españoles del siglo XVI y terminar con el Quinteto en do mayor de Schubert o, si se espera compañía, con los Nocturnos de Chopin, típico pero infalible.

– ¿Cuál fue el último disco que te compraste y qué escuchas por estos días?
– Los últimos discos ingresados, que no comprados, como expliqué ya, llegaron, como es habitual, en comandita, y entre ellos están, entre otros, las Sonatas y Partitas para violín solo de Bach que ha grabado Sergey Khachatryan para Naïve, la Misa en si menor de Bach de Brüggen (Glossa), L’Incoronazione di Poppea de Monteverdi dirigida por Claudio Cavina (Glossa) o el último trabajo de Diabolus in Musica para Alpha. Los últimos días es, en relación a los discos, demasiado tiempo para mí. Así que responderé por hoy (12 de abril de 2010), en que han caído total o parcialmente: la Pasión según San Mateo de Bach por Sigiswald Kuijken (Challenge), Elías de Mendelssohn por Philippe Hereweghe (Harmonia Mundi), Yr a Oydo, disco recién publicado del conjunto sevillano More Hispano (Carpe Diem), la Sinfonía Lamentatione de Haydn en la versión de Trevor Pinnock (Archiv), la Sonata para piano Nº 60 de Haydn en versión de Dezsö Ranki (Hungaroton) y el último trabajo de Paul O’Dette para Harmonia Mundi, que está dedicado a Marco dall’Aquila. Todos, salvo el disco de More Hispano, los he oído por razones de trabajo.

– ¿Un sello discográfico?
– Harmonia Mundi.

– ¿Un director, una orquesta, un instrumentista y un cantante?
– René Jacobs, Orquesta Barroca de Sevilla, Enrico Onofri, Magdalena Kozená. Mañana seguro que diría otros.

– Y para una isla desierta, ¿cuántos discos te llevas y cuáles?
– Si está desierta de verdad, creo que me cabrían todos, aunque dudo que tuviera electricidad para escucharlos, así que mejor los dejo en casa y pongo latas de atún y galletas de chocolate en la mochila. Y después del chiste malo malísimo, escogeré diez:

- Bella domna. Sinfonye. Stevie Wishart (Hyperion)
- La tarantella. L’Arpeggiata. Christina Pluhar (Alpha)
- Festa: Magnificat, Motetes, Madrigales. Huelgas Ensemble. Paul Van Nevel (Sony)
- Mozart: Las bodas de Fígaro. Carlo Maria Giulini (EMI)
- Bach: Pasión según San Mateo. Philippe Herreweghe (1999) (Harmonia Mundi)
- Schubert: Winterreise. Hans Hotter, Michael Raucheisen (Deutsche Grammophon)
- Beethoven: Cuartetos. Cuarteto Italiano (Philips)
- Monteverdi: Selva morale e spirituale. Françoise Lasserre (Zig Zag Territoires)
- Vivaldi: Concerti da camera. Il Giardino Armonico (Teldec)
- Debussy: Pelléas et Mélisande. Claudio Abbado (Deutsche Grammophon)

Eso si tuviera que salir precipitadamente esta noche. Mañana al amanecer y con la mente despejada, me llevaría otros.

Despertares

2010-04-12T09:21:00.003-04:00

Antonio Vivaldi (1678-1741)

Concierto in Do mayor RV 558

Europa Galante
Fabio Biondi

Lecciones

2010-04-11T10:56:00.006-04:00

Es cuando sacas al maestro de su contexto familiar y editorial que resalta toda su grandeza. Disfruten...

Versiones y novedades

2010-04-10T14:35:00.003-04:00

Reviso las novedades discográficas anunciadas en los boletines a los que estoy suscrito y la situación se torna abrumadora. ¿Cómo hacer para estar al día con tanta producción que sale al mercado y con semejante regularidad? Eso es un imposible. ¿Crisis del cd? No sé quién dijo eso… Algunas reglas que me autoimpongo: me permito tan sólo dos, rara vez tres versiones de alguna composición fundamental. ¿Para qué más si sé que he sido sumamente exigente para inclinarme por una u otra? Así, además, controlo la sobrepoblación de discos y dejo espacio para los libros. Ese es mi otro vicio y más grave. Mucho más grave.

Tomo como referencia a algunos inagotables maestros y paso revista. Para las Goldberg, que debe ser una de las obras con más versiones en disco, yo selecciono dos, Hantaï I (Opus 111) y Hantaï II (Mirare). Los célebres seis solos para el cello, Bylsma I y Wispelwey II. La Misa en Si Menor, una tradicional, Suzuki (Bis), y otra OVPP, Kuijken (Challenge Classics). Con las casi inabordables sonatas para laúd de Weiss, mi primera opción siempre son los ya diez volúmenes de Robet Barto (Naxos) que se complementan perfectamente con dos de Eduardo Egüez, uno de Hoppy y otro de José Miguel Moreno, no más. Dowland tiene dos caras, una virtuosa en dedos de Paul O’Dette (HM) y otra más serena y madura por Nigel North (Naxos). Monteverdi y sus madrigales, ahí conjugo entre La Venexiana, el sexto libro por Alessandrini y el trabajo de Marco Longhini para Naxos, sello de bajo costo que siempre sorprende con una que otra integral. Y muy pronto sale el primer volumen de los madrigales de Gesualdo por los mismos Delitiae Musicae de Longhini (!!!). Membra Jesu Nostri, Fasolis y Veldhoven. El Op. 5 de Geminiani, Nasillo (Symphonia) y McGillivray (Linn). El Op. 4 de Haendel, ¿Dantone, Egarr y Halls? Mejor paso a las novedades…

Comienzo con los responsorios para Semana Santa de Tomás Luis de Victoria. Si destacada era la interpretación de los Tallis Scholars (Gimell), ahora sale la de Raúl Mallavibarrena y Musica Ficta (Enchiriadis), quienes ponen nuevamente en el tapete a un discreto sello que sabe hacer las cosas muy bien. Escuché algunos extractos y les aseguro que es una lectura totalmente novedosa, atrevida. El disco se llama sugerentemente “18”. Paso a Bach, porque pareciese que todos los meses se celebra al cantor de Lepizig. Cuatro discos: los Motetes por el sólido Masaaki Suzuki; Andreas Staier y su lectura de las Goldberg, con sugerentes cambios de registros; la Pasión según San Mateo nuevamente con criterio de una voz por parte y por el incansable Sigiswald Kuijken, pero con un elenco de cantantes que te hace dudar si adquirirla o no -yo paso, con Butt y la segunda de Herreweghe tengo de sobra-, y las Sonatas en Trío por Reine-Marie Verhagen (flautas dulces) y Tini Mathot (clave y órgano de cámara). Ricercar saca otra selección de Danceries de Attaingnant y son sus más avezados intérpretes, Denis Raisin-Dadre y Doulce Mémoire, quiénes así complementan su antigua producción para Astrée. Anthony Bailes para el elegante sello Ramée preparó un programa titulado Apollon Orateur. Son piezas para laúd barroco de los Gaultier, Ennemond y Denis, ambos compositores alguna vez tan bien llevados al disco por Hopkinson Smith. Hace algunos meses, Christophe Rousset volvió a indagar en la obra para clave de Johann Jakob Froberger y grabó seis suites para Ambroisie. Carus lanza la versión de Mendelssohn del Dettingen Te Deum de Haendel con falutas, clarinetes y cornos, yo arranco y recuerdo gratamente la de Stephen Layton para Hyperion. Giulio Cesare in Egitto, sí, una de las óperas más grandes de todos los tiempo. Ahora es el turno de George Petrou para demostrar qué tan lejos puede llegar con su Orquesta de Patras y un elenco de solistas cada vez más llamativo. No conozco esta versión, yo tengo la de Minkowski que es espléndida, pero mi amigo español Javier Sarría Pueyo, un haendeliano acérrimo, dice que el maestro griego se convirtió en un imprescindible. Sergio Azzolini crea todo tipo de expectativas (yo espero una integral, no menos) con su Concerti per fagotto I para la obligatoria serie Vivaldi Edition del sello Naïve y registra, además, seis mozartianas sonatas para fagot y pianoforte de Thaddäus Wolfgang von Dürnitz. Me atrevo también con éste último, Azzolini es un dato seguro y a veces es bueno avanzar un poco más allá de 1750. A veces y con mucha precaución. Y ya que doy el salto, agrego algo de música de cámara de C. F. Abel y J. C. Bach por Il Gardellino, también los tres tardíos cuartetos de C. P. E. Bach (La Tempestad/Arsis), incluso otro disco que se me pasó, el recital de Rossini con Joyce DiDonato y la dirección de Edoardo Müller.

¿Cómo es posible que Glossa, Accent, Ramée, MDG, Pan Classics, DHM, Arcana, entre muchos otros, aún no estén en los escaparates de la famosa tienda que ahora mezcla libros, cds y todo tipo de accesorios? Alpha, Ricercar y Fuga Libera llegó. Tarde, muy tarde, pero llegó. Y les aseguro que insistí mucho en ello. Que hagan algo pronto, si no seguirán perdiendo clientes. Por suerte podemos acceder regularmente a Bis, Hyperion, Chandos y CPO en la disquera del Pueblo del Inglés. Mas por internet siempre es menos costoso y más seguro dar con el producto deseado. Pero a la vez es más peligroso, porque cuando uno está de cara a la novedad la tentación es muy fuerte. ¿No era tan sólo dos versiones por obra?...

Nobles cuerdas pulsadas

2010-04-06T09:40:00.000-04:00

Nobles cuerdas pulsadas

2010-04-05T09:51:00.001-04:00

Nobles cuerdas pulsadas

2010-04-04T20:36:00.003-04:00

La Pasión según San Mateo

2010-04-03T09:29:00.005-03:00

Ideas breves

La Passio secundum Matthaeum de Johann Sebastian Bach (BWV 244) se representa por primera vez en la Thomaskirche de Leipzig para el servicio de Vísperas del Viernes Santo de 1727, dos años después de que el Kantor de la Thomasschule, según se cree, iniciase los primeros esbozos de la partitura. De hecho, el no haberla finalizado para el Viernes Santo de aquel 1725 significo tener que ejecutar nuevamente, con uno que otro cambio, su anterior pasión, la de San Juan, representada por primera vez un año antes.

La Pasión según San Mateo, con formato de doble coro y doble orquesta, corresponde a una extensa narración sacra que fusiona en perfección tanto lo lírico como lo dramático: el relato de las horas finales de Cristo y al mismo tiempo la respuesta y comentarios por parte de los fieles respecto del relato. Es la musicalización de los capítulos 26 y 27 del evangelio homónimo entrelazados con diversos corales luteranos, coros, recitativos y arias; los textos, en el caso de los corales, tienen una antigüedad de hasta dos siglos, y los versos del poeta Christian Friedrich Henrici, conocido con el seudónimo de Picander, completan el resto del libreto que en suma logra un forma de enorme diálogo.

La música de la Pasión según San Mateo, dividida en dos partes y que enmarcó el extenso sermón de casi dos horas de ese viernes 11 de abril de 1727, presenta prácticamente todas las formas musicales ejercitadas en aquel entonces: recitativos acompañados y secco, arias, armonizaciones de corales tradicionales, coros, incluso la forma motete. Asimismo, se plantea todo tipo de posibles combinaciones vocales al conjugar o enfrentar las voces de ambos coros. La estructura de la obra logra una complejidad y heterogeneidad sin precedentes, rica en un sinfín de detalles musicales y expresivos.

Concertistas y ripienistas

De acuerdo a las investigaciones de Joshua Rifkin y Andrew Parrott, tan oportunamente avaladas y completadas por otros estudios de John Butt, indagaciones siempre realizadas sobre la base del conjunto de particielas conservadas de la época de Bach, la Pasión San Mateo fue, casi con seguridad, interpretada originalmente por tan solo 8 voces solistas, denominadas concertistas y divididas en dos grupos (soprano, alto, tenor y bajo), quienes asumen la totalidad de las partes del canto, es decir, coros, corales, arias y recitativos. Los roles principales del evangelista, quién precisamente narra el evangelio en tercera persona y en forma de recitativo secco, y el rol de Jesús, corresponden respectivamente al tenor y bajo del coro I. Por otra parte, a los concertistas se añaden otras tantas voces, tres o cuatro, quienes asumen los roles menores de las dos criadas, la mujer de Pilatos, Pilatos, Judas, Pedro, Caifás y los Pontífices. En tanto que una o dos de éstas voces, denominadas soprano in ripieno, apoyan en algunos números musicales, pero mínimamente.

El registro

John Butt, eximio estudioso de la obra de Bach y director del Dunedin Consort, se inclina por una tardía versión de la Pasión San Mateo para su primer registro en disco de esta creación cumbre del maestro oriundo de Eisenach, versión que debió haberse representado cerca del año 1742.

Dicha partitura presenta una que otra modificación en cuanto a la instrumentación respecto de las versiones anteriores: se reemplaza el órgano por un clave en la orquesta II y también se añade una segunda viola de gamba a la misma orquesta, para el continuo del recitativo y aria "Mein Jesus schweigt” y “Geduld!” del tenor del coro II.

En resumen, las orquestas, en formato muy reducido, están conformadas cada una por dos violines primeros y dos violines segundos; viola, cello, violone y viola da gamba, uno de cada instrumento; flautas y oboes en pares, difiriendo solamente en que la orquesta I cuenta con un órgano y un calve y la orquesta II sólo con un clave. Y en cuanto a las voces y de acuerdo a la práctica OVPP, 8 son los concertistas y 4 las voces de apoyo para cubrir las partes de soprano in ripieno y todos los roles menores.

El resultado es un perfecto equilibrio entre las partes instrumentales y vocales, con una claridad abrumadora de la textura musical. Basta con enfrentarse al impresionante coro de apertura “Kommt, ihr Töchter”y ya te haces una idea de todo el potencial y beneficio para este tipo de repertorio el aplicar correctamente los criterios históricamente documentados. El rol de Jesús en voz de Matthew Brook es conmovedor en su grado máximo y la narración del evangelio por parte de Nicholas Mulroy es más que elocuente. Destacan especialmente las bellas y cristalinas voces de la soprano Susan Hamilton y de la mezzo Clare Wilkinson, quién en el célebre “Erbarme dich” logra, según mi criterio, la mejor interpretación disponible en disco de una de las emotivas arias sacras de la historia musical.

Con este trabajo discográfico estamos ya en condiciones de plantear un resumen de las mejores lecturas posibles de la Pasión San Mateo. Una más "tradicional", me refiero a la segunda de Philippe Herreweghe para la casa francesa Harmonia Mundi, imprescindible; otra más "osada" y fielmente documentada, por cuenta de Paul McCreesh y un espléndido equipo de solistas, para el sello Archiv, y la presente de John Butt, “casi perfecta”, fruto de un trabajo constante y concienzudo por parte del sabio maestro inglés y también, no podemos engañarnos, por el minucioso despliegue técnico de sonidistas y productores musicales.

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Matthew Passion

Dunedin Consort & Players
John Butt

Linn Records, 2008 (3 CDs)

Las arias más bellas

2010-03-30T20:07:00.003-03:00

Antonio Vivaldi (1678-1741)

"Vedrò con mio diletto"
Giustino RV717

Philippe Jaroussky, contratenor

Ensemble Matheus
Jean-Christophe Spinosi

De la suite de danzas

2010-03-22T19:33:00.008-03:00

A lo largo del siglo XVI y en los lujosos salones privados de las más distinguidas familias italianas y francesas es donde posiblemente se origina la suite de danzas cuando surge la necesidad instrumental de acompañar rítmica y melódicamente los agrupados movimientos de danzas de carácter para que bailarines semi profesionales, cortesanos y nobles, que formaban parte activa en los ballets de cour, pudiesen lucir sus máscaras y tocados al momento de representar con unos discretos pasos de baile los argumentos declamados por el orador de turno. A la solemne pavane, procesional siempre, la sucedía inmediatamente una por aquel entonces más animada allemande, quizá también una gaillarde, y luego el vigoroso tourdion cerraba uno de los tantos divertimentos, intervalos danzables que demarcaban las numerosas escenas del ballet cortesano. Los oportunos tratados Il ballarino de Fabritio Caroso y L’Orchésographie de Thoinot Arbeau detallan elocuentemente cada una de estas danzas, altas y bajas, bransles y passamezzi, graves y otras más animadas, pero no tanto como para que con el entusiasmo que suscita la sonoridad del tambor, la bombarda y el dulzian, y en un alocado descuido, la dama dejase al descubierto algo más que el talón.

Al mismo tiempo, pero en un contexto radicalmente opuesto, la suite proporcionó una solución a la inquietud del músico que, cuando en solitario ejercitaba o cuando en público deleitaba, quiso extender su interpretación a más de una sencilla pieza y probó añadiéndole al libre preludio ora una danza alegre, ora una danza grave. Eran las mismas piezas que se bailaban, pero ahora, reducidas e intabuladas, se escuchaban en un escenario más íntimo. Estos tímidos primeros intentos de suite no corresponden a más de tres o cuatro movimientos breves, pero aunados por una "tonalidad" propuesta o por un motivo melódico desarrollado en metros de tempi binario o ternario. Pavane y gaillarde; pavana, saltarello y piva; basse danse, recoupe y tourdion. El músico experimenta y ya se vislumbra una estructura coherente. Pronto tecladistas y laudistas presentarán en sus colecciones las danzas agrupadas por su género o por una "tonalidad" afín, pero en un esquema todavía muy libre. Kapsberger en su libro primo d’intavolatura di lauto (1611) incluye ocho tocatas, luego doce gallardas y cierra su tomo con un número igual de corrrenti. Entonces es el tañedor quién decide cuántas y cuáles de estas miniaturas selecciona y cómo las ordena. Michelangelo Galilei se anticipa y él mismo en su publicación de 1620 organiza sus creaciones por “tonalidades”, pero deja al intérprete la opción de formar una suite con la cantidad de piezas que desee. En cambio, Giovanni Picchi en su Intavolatura di Balli d’Arpicordo (1621) propone lo que perfectamente puede considerarse como una gran suite con doce movimientos.

Ya hacia el barroco medio y siempre en Francia, la suite instrumental solista progresivamente irá adquiriendo la forma que nos es tan conocida y que se consolidará como la manera de hacer música ya no como soporte para un bailarín, sino para satisfacer las más delicadas inquietudes creativas; es el momento en que las danzas alcanzan maneras tan estilizadas que aunque el gran Louis Pécourt lo intentase, no hubiese podido sostener un port de bras tan grácilmente como sí lo hacía la mano diestra de Chambonnières sobre el contrapunto de una dolida sarabande. La suite madura y se le denominará indistintamente partita, igualmente ordre. A la sucesión contrastante de allemande, courante, sarabande y gigue, por lo general y en primer lugar, se antepondrá un prélude, para que el intérprete ejercite sus dedos, otras veces una ouverture a la francesa, otras una toccata; también se le intercalarán otras diversas danzas tan curiosas y aceptadas como el menuet, la gavotte, la bourrée, el paysane, el loure, el passepied, incluso un ostinato como la chaconne y el passacaille o la sentida evocación en forma de tombeau tendrá espacio dentro de la suite.

Publicaciones hay muchas, cada una tan transcendental como la otra. Ennemond Gaultier con sus piéces de luth tempranamente modela la forma suite. Froberger trabaja aún sobre una pauta flexible y la gigue no siempre se ubica al final de la serie. Vilsmayr para su Artificiosus Concentus pro camera à Violino Solo escribe seis partitas, al igual que Westhoff en 1696. Robert de Visée transcribe en sus libros danzas que se bailaron en alguna comedia-ballet de Lully sobre textos de Molière. François Couperin en sus cuatro livre de pièces distribuye hasta veintisiete descriptivos ordres. Bach nos lega sus imprescindibles suites francesas, inglesas y partitas, sus famosos seis solos para el cello y otros tantos para el violín, todos senza basso. Handel en 1720 y 1733 hace lo suyo y publica quince suites de pieces pour le clavecin y una gran Chacone con sesenta y dos variaciones. Weiss compone el repertorio más extenso para el laúd y lo traduce en un generoso número de Sonatas, como a él gustaba llamarlas. Johann Caspar Ferdinand Fischer y su monumental Musicalischer Parnassus, otros nueve tantos. Y entre ellos, con menos eco para nosotros, pero con tanta sabiduría y buen gusto para la música, Mattheson saca a luz sus Pieces de clavecín en deux volumes publicadas en Londres en 1714. Por ahora, yo me quedo con éstas últimas.

Johann Mattheson (1681-1764)
Suites

Cristiano Holtz, clave

Ramée, 2006 [74’35’’]

Música Sacra

2010-03-14T11:22:00.002-03:00

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
St. John Passion, BWV 245

I. Chor - Herr, unser Herrscher

Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki

El laúd de Weiss

2010-03-09T14:39:00.003-03:00

Sylvius Leopold Weiss (1687-1750)
Lute Sonatas, vol 5

Tombeau sur la mort de M. Cajetan Baron d'Hartig

Robert Barto, baroque lute (Andrew Rutherford)

Naxos, 2002

El cello de Bach

2010-02-18T11:46:00.002-03:00

Johann Sebastian Bach (1695-1750)
Suites a violoncello solo senza basso

Suite Nº 5 in C minor - Prélude

Anner Bylsma, violoncello (Matteo Goffriller, 1669)

Sony Classical, 1979

Sacrificios barrocos

2010-02-13T13:20:00.005-03:00

Sacrificium es ya todo un éxito de ventas. Situado dentro de las producciones más vendidas en la historia disco en su respectiva categoría, el presente trabajo, en formato de edición limitada, un pequeño y grueso libro de tapa dura, que incluye la correspondiente introducción histórica, numerosas ilustraciones y un compendio/diccionario con diversas entradas respecto de todo el universo que rodeó a los castrados, recopila música de algunos de los más grandes y prolíficos compositores para la escena del drama musical del barroco maduro, uno de los períodos más esplendorosos para la música europea, época dorada del verdadero bel canto.

Sacrificium presenta un programa variado, rico en primicias (11 de los 12 cortes que enteran el primer disco), con una figura central y en torno a la que gira el recital, la del Napolitano Nicola Porpora (1686-1768), empresario, compositor y maestro de al menos dos de los más grandes castrati de todos los tiempos, como lo fueron el admirado Carlo Broschi, llamado Farinelli (1705-1782) y el soberbio Gaetano Majorano, más conocido como Caffarelli (1710-1783), asimismo del célebre libretista Pietro Metastasio (1698-1782) y de dos grandes compositores, nada menos que Johann Adolf Hasse (1699-1783) y Joseph Haydn (1732-1809).

Sacrificium, perfecta mezcla de arias de carácter, mezzo carattere, arias di baule, di furore y de comparación, donde destacan las coloraturas endemoniadas, las frases inhumanamente extensas plenas de intervalos descendentes y los sobre ornamentados da capo, vuelve a reunir a la carismática Cecilia Bartoli, siempre en un dominio total de sus facultades canoras, y al Giardino Armonico de Giovanni Antonini, pero ahora con Stefano Barneschi como concertino y con algunos músicos invitados, como el laudista Juan Francisco Padilla (todo un acierto!), quienes y junto al resto de los músicos italianos, atentos siempre a las inflexiones del canto, acompañan diligentemente a la virtuosa mezzosoprano.

Luego de varias escuchas, me queda la agradable sensación de que lo más logrado son las arias de Porpora, Antonio Caldara (1671?-1736) y Carl Heinrich Graun (c.1703-1759), las de largo aliento y tempi sosegados, allí donde la mezzo romana se luce, como es costumbre, con su habitual e inagotable despliegue de recursos interpretativos que solamente ella sabe cuándo, dónde y cómo aplicarlos.

Disco obligatorio, solamente podemos lamentar, primero, que pese a ser una producción registrada en Valladolid y financiada por la Junta de Castilla y León y por la Fundación Siglo para las Artes de Castilla y León, los cometarios introductorios, el compendio y el texto de las arias no se incluyan con la correspondiente traducción al español (se puede acceder a ellos a través del sitio de la mezzo) y, segundo, que toda la información de carácter histórico sea bastante básica y uno mismo, repasando viejos artículos de por ejemplo la extinta Goldberg Magazine o sumergiéndose en un buen libro novelado, pueda recrear de mejor manera la vida de aquellos cientos, miles, de mutilados niños napolitanos, de entre los cuales solamente algunos pocos lograron el pretendido reconocimiento artístico.

Sacrificium

Cecilia Bartoli, mezzosoprano

Il Giardino Armonico
Giovanni Antonini

Decca, 2009 [CD 1 77’55’’+ CD 2 21’15’’]

Veinte discos que me han marcado... (primera parte)

2010-02-11T12:10:00.015-03:00

Reglas: no te tomes mucho tiempo haciendo esto. Veinte discos que hayas escuchado y que te hayan marcado. Los primeros veinte que puedas recordar en no más de 15 minutos. Etiqueta a 15 amigas/os incluyéndome a mí, porque yo también estoy interesado en conocer los discos que escogen mis amigos/as. (Para hacer esto, ve a tus "Notas" en la página de tu "Perfil", pega estas Reglas en una nueva nota, escribe tus 20 discos y etiqueta a las personas que tú quieras en la esquina superior derecha). Pueden incluirse DVDs musicales y cajas, cofres, ediciones deluxe y demás formatos múltiples, si es que la ocasión realmente lo merece. Añade los datos que consideres necesarios (compositor/es, intérprete/s, sello/s, solista/s...), procurando no extenderte demasiado.

Ese mensaje me manda un amigo español a través de Facebook. Músico y, por supuesto, melómano, mi amigo propone un juego que así a primeras parece sencillo, pero luego de pensármelo una par de minutos, me doy cuenta que realmente es imposible decidirse por solamente veinte trabajos discográficos, por muy fabulosos que éstos sean. Si, por ejemplo, imagínense que lo hago “fácil” y formo una veintena en base a solamente composiciones absolutamente obligatorias y básicas para cualquier melómano, entonces: si de los conciertos vivaldianos Op. 8 Nos. del 1 al 4 (sí, las estaciones) hay al menos cuatro “buenas” versiones, ¿cuál selecciono? ¿Amandine Beyer y Gli Incogniti, Biondi con la Europa Galante, Carmigola con la Venice Baroque Orchestra o Carmignola con los Sonatori de la Gioiosa Marca? Las Suites para cello solo de Bach, ¿Bylsma? ¿Y cuál? ¿La primera o la segunda? ¿O mejor la segunda de Wispelwey? ¿Y por qué no Queyras? ¿O Kuijken con el violoncello da spalla? Los Conciertos de Brandemburgo, ¿Musica Antiqua Köln, I Barocchisti, Concerto Italiano, Akademie für Alte Musik Berlín o Musica Amphion? Pero si son todas buenas! El ciclo de cantatas Membra Jesu Nostri de Buxtehude, ¿Diego Fasolis o Jos van Veldhoven? La Tafelmusik de Telemann, ¿la de Reinhard Goebel o la de Pieter-Jan Belder? El Op.3 de Handel, ¿Egarr o Gardiner? La obra para laúd de John Dowland, ¿Paul O’Dette o Nigel North? Los Conciertos Reales de F. Couperin, ¿los hermanos Kuijken o Savall? Y los madrigales del sexto libro de Claudio Monteverdi, ¿Alessandrini, Cavina o Longhini?... Ahí ya van más de veinte excelentes discos.

Le respondo a mi amigo y de inmediato le reconozco que hago trampa, ya que no son los primeros veinte que se me vienen a la cabeza, obvio, porque los primeros veinte que se me vienen a la cabeza en quince minutos son muchísimos más que veinte. Así que opto por formar otro tipo de veintena, una selección que de alguna u otra manera, eso sí, cumple con la condición inicial de este juego: veinte discos que me marcaron, y para siempre…

Ahí van los primeros diez:

Johann Sebastian Bach
The Cello Suites I & II

Anner Bylsma, violonchelo y violonchelo piccolo

Sony Classical, 1979

Esos dos deben ser de los primeros cds HIP que adquirí. Trabajaba por aquel entonces como vendedor en una disquera en Providencia, era verano, vacaciones de, si no me equivoco, mi primer año de universidad. Los discos, eso sí, los compré, pero en la disquera de enfrente, ya que tenía mejor surtido.
Me encanta el sonido de ese cello, pese a lo tosco que puede parecer a una primera escucha. Si antes prefiero la segunda lectura de Pieter Wispelwey (Channel Classics, 1998), de vez en cuando vuelvo al maestro.

Ennemond Gaultier
Piéces de Luth du Vieux Gaultier

Hopkinson Smith, laúd barroco de 11 órdenes

Astrée, 1988

Con este disco conocí el arte del gran Hopkinson Smith y el particular repertorio francés para el laúd. Producciones musicales de Michel Bernstein, toda esa serie de registros de Hoppy sobre los maestros franceses del siglo XVII son imprescindibles: éste, el de Mouton y de De Visée, esos tres por sobre todo.
El de Gaultier debe ser uno de los discos que más he escuchado en mi vida.

Sylvius Leopold Weiss
Sonatas for Lute
Vol. 1 al 10

Robert Barto, laúd barroco

Naxos, 1997-2010

Es que el primer disco de esa serie es tremendo y así sucesivamente te vas sorprendo más y más a medida que escuchas otro y otro volumen. La dupla Barto/Weiss funciona a la perfección, virtuosismo puro, es imposible no caer rendido ante esta serie (integral no creo) en curso.

George Frideric Handel
Airs d’opéra

Nathalie Stutzmann, contralto

The Hanover Band
Roy Goodman

BMG, 1992

Una verdadera contralto en quizá uno de los mejores recitales de arias barrocas de todos los tiempos. Nada como el cálido y oscuro color de voz de Nathalie acompañada por una impecable Hannover Band. La selección de arias es perfecta, equilibrada.

V.V. C.C.
Canto del Cavallero

José Miguel Moreno, vihuela

Glossa, 1996

Junto con Hopkinson Smith, José Miguel Moreno debe ser de los pocos intérpretes que destacan de igual manera en la vihuela, el laúd renacentista y barroco, la guitarra barroca y la tiorba, con la particularidad de que el español tañe también la angélica (!) y la guitarra clásico-romántica.
El gran vihuelista ha seleccionando lo mejor de las publicaciones dedicadas a este particular instrumento.
Un repertorio delicado e íntimo.

Marin Marais
La Rêveuse & autres pièces de viole

S. Watillon, bajo de viola

Alpha, 2002

Qué gran tañedora era! Este disco es una verdadera joya. Lo prefiero antes que los registros de Savall, Pandolfo o Muller.

Johann Sebastian Bach
Goldberg Variationen

P. Hantaï, clave

Opus 111, 1992

Me gustan más las del sello Mirare, pero éstas editadas por Opus 111fueron las que me golpearon primero. Hantaï está sencillamente soberbio. Disco premiadísimo, esta lectura no deja indiferente a nadie.

Antonio Vivaldi
Sonata a violoncello solo del signor A. Vivaldi

Bruno Cocset, violonchelo
Les Basses Réunies

Alpha, 1999

Mi instrumento preferido (oh! seguro todos pensaban que era el laúd! Lo es, pero el cello está al ladito…) por uno de mis músicos preferidos. Cocset está acompañado por unos continuistas de lujo.

Johann Sebastian Bach
The lute music I & II

Eduardo Egüez, laúd barroco de 13 órdenes

Ma Recordings, 1999 y 2000

La musicalidad y virtuosismo de Eduardo se ajusta a la perfección para estas difíciles piezas. No conozco mejor integral, pese a que acá no se registra la suite BWV 996.

Johann David Heinichen
Dresden Concerti

Musica Antiqua Köln
Reinhard Goebel

Archiv, 1993

Debe ser uno de los mejores discos de conciertos barrocos, quizá el mejor, y por una de las mejores orquestas que haya existido jamás.

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pd: hoy se cumple exactamente un año desde que di inicio a La Lira de Orfeo. Aprovecho de saludar a mis incondicionales amigos que me han acompañado con sus oportunos saludos y comentarios.

Mil gracias!

P.

Ouvertures (VII)

2009-12-01T10:25:00.005-03:00

Johann Joseph FUX
Ouverture in d N4

I. Ouverture

Johann Joseph Fux (1660 - 1741)
LA GRANDEZA DELLA MUSICA IMPERIALE

Freiburger Barockorchester
Gottfried von der Goltz

Carus, 2006 [63'58'']

Bellezas

2009-11-30T00:41:00.003-03:00

Domenico DALL'OGLIO (c.1700 - 1764)
Violin concerto in C major

II. Largo

CONCERTO ITALIANO

Giuliano Carmignola, violin

Venice Baroque Orchestra
Andrea Marcon

Archiv, 2009 [81'38'']

Las arias más bellas

2009-11-28T17:26:00.006-03:00

Nicola PORPORA

Smanie (Polifemo)

Smanie d'affanno, ah, perchè mai, mai morte, che è il fin
de'mali, morte non mi potete, non mi potete dar per consolarmi?

Pregio di non morir solo tu fai,
che il duol senza finir può tormentarmi.

Nicola Porpora (1686 - 1768)
ARIAS

Karina Gauvin, soprano

Il Complesso Barocco
Alan Curtis, conductor

Atma Classique, 2009 [79'28'']

Mis últimas adquisiciones

2009-11-28T14:39:00.005-03:00

Antonio Vivaldi (1678 - 1741)
PYROTECHNICS
Opera Arias

Vivica Genaux, mezzo-soprano

Europa Galante
Fabio Biondi, violin & direction

1. Come in vano il mare irato – Catone in Utica, RV 705 (1737)
2. E prigioniero e re – Semiramide, RV 733 (1732)
3. Alma oppressa – La fida ninfa, RV 714 (1732)
4. Agitata da due venti – Griselda, RV 718 (1735)
5. Destin nemico... Destin avaro – La fida ninfa
6. Il labbro ti lusinga – [Opera unknown]
7. Vibro il ferro – Ipermestra, RV 722 (1727)
8. No, ch’amar non è fallo ... in cor guerriero... Quell’usignolo – Farnace, RV 711 (1738)
9. Splender fra ’l cieco orror – Tito Manlio, RV 778 (1720)
10. Vorrei dirti il mio dolore – Rosmira fedele, RV 731 (1738)
11. Chi può nelle sventure... Nella foresta – Catone in Utica
12. Ricordati che sei – Farnace
13. Sin nel placido soggiorno – [Opera unknown]

Virgin, 2009 [75’42’’]

Interrumpo brevemente la continuidad de mis anteriores entradas para compartir con Uds. una muestra de una de mis últimas adquisiciones. Y la razón no es menor. Vivica está sencillamente genial, en las coloraturas y en las sutilezas. La Europa Galante, orquesta espléndidamente afiatada, resulta el acompañante perfecto bajo la dirección del maestro Biondi. Arias que son primicias discográficas y otras que presentan nuevas y energizantes lecturas. Un trabajo perfecto!

Catone in Utica, RV 705
Come in vano il mare irato

Ouvertures (VI)

2009-11-28T12:15:00.003-03:00

Johann Christoph PEZ
Ouverture/Pieces pour la musique de table, D minor (R.24/D.7)

I. Ouverture

Johann Christoph Pez (1664 - 1716)
OUVERTURES — CONCERTI

Les Muffatti
Peter Van Heyghen

Ramée, 2007 [76'41'']

Ouvertures (V)

2009-11-27T10:29:00.003-03:00

Joahnn Friedrich FASCH
Ouverture in G minor - FWV K:g2

I. Ouverture

Joahnn Friedrich Fasch (1688 - 1758)
OUVERTURES

Il Fondamento
Paul Dombrecht

Fuga Libera, 2004 [71'06'']

Ouvertures (IV)

2009-11-25T21:24:00.004-03:00

Georg Philipp TELEMANN
Musiqe de Table - Production I

Ouverture - Suite in E minor

I. Ouverture

Georg Philipp Telemann (1681 - 1767)
TAFELMUSIK

Musica Amphion
Pieter-Jan Belder

Brilliant, 2003 [CD1 69'48 + CD2 58'33' + CD3 61'38'' + CD4 69'25'']

Ouvertures (III)

2009-11-25T12:05:00.003-03:00

Johann Sebastian BACH
Suite Nº4 in D Major BWV 1069

I. Ouverture

Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
SUITES 1 - 4

I Barocchisti
Diego Fasolis

Arts, 2006 [70'24'']

Ouvertures (II)

2009-11-24T11:18:00.003-03:00

Silvius Leopold WEISS
Sonata Nº 52 in C minor

I. Ouverture

Silvius Leopold Weiss (1687 - 1750)
LUTE SONATAS, VOLUME 9

Robert Barto, baroque lute

Naxos, 2008 [65'29'']

Ouvertures (I)

2009-11-23T12:17:00.005-03:00

Francesco Maria VERACINI
Ouverture Nº 1 in B flat

I. Largo - Allegro - Largo - Allegro

Francesco Maria Veracini (1690 - 1768)
OUVERTURES

Musica Antiqua Köln
Reinhard Goebel

Brilliant Classics, 2009 [70'26'']

Bellezas

2009-11-22T15:00:00.006-03:00

Johann Friedrich FASCH
Concerto for Chalumeau, oboes, strings & B.C. - FWV L:B1

III. Largo

Johann Friedrich Fasch (1688 - 1758)
CONCERTI & SINFONIAE

Christian Leitherer, chalumeau
Main Barockorchester Frankfurt

Aeolus, 2003 [63'17'']

Música Sacra

2009-11-22T10:21:00.005-03:00

Johann Sebastian Bach
Vergnügte Ruh, beliebte Seelenlust! - BWV 170

Aria - Vergnügte Ruh, beliebte Seelenlust!

Johann Sebastian Bach (1685 -1750)
CANTATES POUR ALTO

Andreas Scholl, conter-ténor

Collegium Vocale Gent
Philippe Herreweghe

Harmonia Mundi, 1998 [59'19'']

Música Sacra

2009-11-15T10:02:00.004-03:00

Johann Sebastian BACH
Ich habe genung, BWV82 (soprano version in E minor)

Aria - Schlummert ein, ihr matten Augen

Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
DER FRIEDE SEI MIT DIR
CANTATAS VOL. 41

Carolyn Sampson, soprano

Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki

BIS RECORDS, 2008 [64'04'']

Vivaldi o el gran compositor de óperas

2009-11-02T12:26:00.004-03:00

Mientras reviso desordenadamente algunos de los títulos que el Prete Rosso compusiera principalmente para la escena veneciana y selecciono una que otra aria para traspasarla a mi iPod (nada mejor que caminar por la ciudad con música de Vivaldi como telón de fondo), no es otra la sensación que me queda luego de repasar mi compilación final que la de una gratísima impresión y un buen gusto que seguro no se desvanecerá tan a la ligera. Si bien uno puede acercarse parcialmente a este repertorio a través de los numerosos recitales de arias en disco que están disponibles en el mercado especializado, sin duda alguna la mejor opción es prestar la debida atención a la sorprendente iniciativa del Istituto per i Beni Musicali in Piemonte, fundado y presidido por el prestigioso musicólogo Alberto Basso, cuyo proyecto, entre otros, es la edición discográfica con los correspondientes criterios historicistas de las casi 450 composiciones repartidas en los 27 tomos de páginas manuscritas que tan celosamente custodiara la Biblioteca Nacional Universitaria de Torino, colección correspondiente a la biblioteca privada de partituras que Vivaldi tenía en su poder en 1741, año de su muerte, y adquiridas por la biblioteca italiana en 1930, donde actualmente se conservan. El sello francés Naïve, en el marco de la Vivaldi Edition, es el encargado de presentarnos, desde el año 2000 y en un trabajo en curso, la totalidad de la colección en algo así como 120 discos y entre los que deberían figurar unos trecientos conciertos para uno o más instrumentos solistas, cuerdas y continuo, sesenta creaciones de música sacra, quince salmos, una docena de motetes, tres serenatas de largo aliento, una treintena de cantatas y cerca de una veintena de obras teatrales de un total de 49 libretos de ópera que con certeza se sabe que Vivaldi musicalizara desde 1713 a 1738, hecho que lo convierte, a lado de Alessandro Scarlatti, como el compositor más fecundo de su época. (En una carta dirigida al Marqués Guido Bentivoglio, su protector ferrarés, Vivaldi asegura haber escrito… 94 óperas!). Ya disponemos de La verità in cimento, Tito Manlio, Griselda, Orlando furioso y Orlando finto pazzo, títulos que en ciertos casos no habían sido escuchados desde el mismo siglo XVIII. Algunos están muy bien registrados, los menos, hay que reconocerlo, y otros pecan más de un excesivo entusiasmo que de una acertada lectura y dan paso a un mero espectáculo circense/editorial, perfecto escenario para un superficial festival de pirotecnia instrumental y vocal, incluso para la deleznable práctica de la mutilación musical; hay voces buenas -algunas muy buenas- y muchas otras tantas para el olvido; batutas atentas y teatrales, otras, curiosamente las más publicitadas, muy poco serias y preparadas. Creo que lo más logrado es La Fida Ninfa (lo mejor de Jean- Christophe Spinosi, por lejos, aunque es más el mérito del fabuloso elenco de cantantes que del director mismo), L’Olimpiade (Rinaldo Alessandrini) y Atenaide (Federico Maria Sardelli, que si todo marcha según lo planeado, el próximo año lo podremos ver dirigir un estreno absoluto en Chile). Farnace pudo haber sido seguramente uno de los puntos altos de esta serie, pero se optó (por lo menos esa es la versión que se incluyó como “extra” en la caja que recopila los seis primeros títulos de ópera editados por la casa francesa) por la reedición del insufrible registro en vivo que se hiciera de la lectura de Jordi Savall en el Teatro de la Zarzuela de Madrid (Alia Vox, 2001) y nos perdimos la oportunidad de disfrutar, según aún se lee en los medios especializados, del criterioso trabajo del bueno de Alessandro de Marchi. Dentro de los próximos años y como ya se anuncia, debería aparecer en el mercado discográfico Ottone in Villa, Arsilda, Regina di Ponto, Armida al campo d'Egitto, Teuzzone y Farnace (?). Complejos libretos, algunos más logrados que otros; ligeras y breves sinfonías con la tripartita estructura de un concierto barroco; pasajes vocales con coloraturas endemoniadas y frases “cantabiles” de una conmovedora introspección, es el personal e inconfundible lenguaje musical del virtuoso violinista veneciano. Fuente inagotable de arias de una belleza sobrecogedora, si me hacen elegir, yo me quedo sin dudarlo con solamente uno de estos títulos antes que la obra completa del más entusiasta y prolífico creador decimonónico. Para mí, Vivaldi, junto con Handel –por supuesto- y Lully, es con diferencia uno de los más grandes creadores de óperas de todos los tiempos.

Música Sacra

2009-11-01T13:05:00.006-03:00

Johann Sebastian BACH
Brich dem Hungrien dein Brot, BWV 39

Chorus - Brich dem Hungrien dein Brot

Johann Sebastian Bach (1685 -1750)
GELOBET SEI DER HERR
Cantatas Vol. 45

Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki

Bis Records, 2009 [65'42'']

Música Sacra

2009-10-25T10:08:00.005-03:00

Antonio VIVALDI
Stabat Mater, RV 621

Stabat Mater

Antonio Vivaldi (1678 - 1741)
MUSIQUE SACRÉE POUR CONTRALTO, CORDES ET BASSE CONTINUE

Gérard Lesne, alto

Il Seminario Musicale

Harmonic Records, 1988 [57'22'']

Música Sacra

2009-10-18T12:23:00.007-03:00

Johann Sebastian BACH
Dem Gerechten muss das licht, BWV 195

Chorus - "Dem Gerechten muss das licht"

Johann Sebastian Bach (1685 -1750)
CANTATAS VOL. 21

Ton Koopman
The Amsterdam Baroque Orchestra & Choir

Challenge Classics, 2006 [CD 1 64'58'' + CD 2 61'11'' + CD 3 71'50'']

Bellezas

2009-10-15T10:18:00.004-03:00

François COUPERIN
Pièces de viole - Première Suite

Sarabande grave

François Couperin (1668 - 1733)
PIÈCES DE VIOLE

Philippe Pierlot, basse de viole

Mirare, 2008 [67'56'']

Bellezas

2009-10-12T12:39:00.008-03:00

George Frideric HANDEL
Concerto Grosso in B flat major Op. 3 Nº 2 - Largo

George Frideric Handel (1685 - 1759)
CONCERTI GROSSI OP. 3

English Baroque Soloists
John Eliot Gardiner

Apex, 2002 [60'16'']

Música Sacra

2009-10-04T10:37:00.006-04:00

Johann Sebastian BACH
Christmas Oratorio, BWV 248

Jauchzet, frohlocket, auf, preiset die Tage

Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
CHRISTMAS ORATORIO, BWV 248

The Netherlands Bach Society
Jos Van Veldhoven

Channel Classics, 2002 [CD 1 75'00'' + CD 2 70'00'']

Despertares

2009-09-29T09:59:00.005-04:00

Francesco Maria VERACINI
Sonata No. 3 in B minor - V. Rondò: Allegro

Grancesco Maria Veracini (1690 - 1768)
12 SONATAS FOR VIOLIN SOLO AND BASS OP. 1

Enrico Casazza
La Magnifica Comunità

Brilliant Classics, 2008 [CD 1 80'13'' + CD 2 70'29'']

Bellezas

2009-09-28T11:50:00.004-04:00

Carl Philipp Emanuel BACH
Sonata A minor, Wq 128 - Andante

Carl Philipp Emanuel Bach (1714 - 1788)
THE SONATAS FOR TRANSVERSE FLUTE AND BASSO CONTINUO

Barthold Kuijken, transverse flute
Ewald Demeyere, harpsichord & fortepiano

Accent, 2006 [CD 1 50'32'' + CD 2 54'24'']

Acteón o el cazador cazado

2009-09-25T16:38:00.009-04:00

El mito

Al finalizar una jornada de caza, Acteón, nieto de Cadmo y aventajado discípulo del centauro Quirón, ordena a su séquito detener las actividades y descansar. Se encuentran en el valle de Gargafia, tierra consagrada a Diana, diosa de la caza y protectora de la naturaleza.

Con pasos inciertos, Acteón vaga por aquel bosque desconocido topándose para su mala fortuna con la fuente donde Diana junto a su cortejo de ninfas bañan sus virginales cuerpos con cristalinas aguas. Y tan pronto como Acteón delata su presencia, las ninfas estallan en alaridos y con premura abrigan la desnudez de la diosa.

La vergüenza cubre el rostro de la diosa al saber que fue observada sin ropas y ya la furia se apodera de ella. Diana protege implacablemente su castidad así como la de sus compañeras, y ante la afrenta de la indiscreta mirada, Acteón es castigado. En el rostro del cazador brota la cornamenta, se le extiende el cuello al igual que las orejas, pies y manos mutan en largas patas y su cuerpo se envuelve de piel animal. La turbación y el miedo se apoderan de él, al verse primero transformado y luego perseguido por una jauría, sus propios perros de caza.

Acteón huye por los mismos parajes por los que él acostumbraba deambular como cazador, mas los perros lo acorralan y al no reconocerlo con este cambiado aspecto lo atacan, despedazándolo con feroces mordidas.

Desciende Juno, reina de los dioses, y anuncia al séquito de cazadores que en vano llaman a su héroe para celebrar la bravura de los sabuesos. Acteón no puede oírles, ya que con aspecto de ciervo, yace desgarrado delante de sus pies. Y explica que la desgracia es obra suya: “si mis golpes no llegan al corazón de la amante de Júpiter, mi pérfido esposo, ataco a su sangre, pues Europa, la encantadora que toma mi lugar en el cielo junto a él, es hermana de Cadmo”.

Y hasta que no se apagó la vida de Acteón por aquellas feroces heridas, no se agotó la vergüenza de la casta hermana gemela de Apolo y la ira de la despiadada y celosa Juno.

La obra

Una Ouverture y seis breves escenas dan forma a esta opéra de chasse compuesta por Marc-Antoine Charpentier en 1684, según se deduce de las fuentes biográficas. Con un libreto de autor desconocido y representada privadamente para el entretenimiento de la princesa de Guise, esta breve ópera se escribió para un conjunto instrumental y vocal de reducidas dimensiones.

Les Arts Florissants, bajo la batuta de William Christie, registró hace ya casi treinta años para Harmonia Mundi la hasta ahora única versión en estudio disponible. Y el sello francés, en sus novedades del pasado mes de agosto, anunció la reedición de la placa en la serie “musique d’abord”. Un disco que no hay que dejar pasar.

Marc-Antoine Charpentier (c. 1645/50 - 1704)
Actéon

Les Arts Florissants
William Christie

Harmonia Mundi, 1982 [46’45’’]

Marc-Antoine Charpentier - Actéon, H.481
Ouverture

Música sacra

2009-09-13T18:27:00.004-04:00

Johann Sebastian BACH
Aus der Tieffen, BWV 131

Ich harre des Herrn

Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
AUS DER TIEFFEN

Ricercar Consort
Philippe Pierlot

Mirare, 2008 [68'06'']

Música Sacra

2009-09-06T10:18:00.003-04:00

Johann Sebastian BACH
Also hat Gott die welt geliebt, BWV 68

Choral - Also hat Gott die welt geliebt

Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
ICH BIN EIN GUTER HIRT
Cantatas Vol. 39

Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki

Bis, 2008 [72'42'']

Lamentos y madrigales: Monteverdi y el Sexto Libro

2009-09-04T10:48:00.006-04:00

Cuando Claudio Monteverdi publica su sexto libro de madrigales, atrás quedaban dos décadas incertidumbres, inestabilidades emocionales y económicas, pesares y tristezas. Vincenzo Gonzaga, Duque de Mantua, muere en febrero de 1612 y le sucede su hijo Francesco, quien en julio de aquel mismo año despide caprichosamente al maestro de capilla de la Serenísima Corte. Pero no pasará mucho tiempo antes de que el cremonés fije un nuevo norte para su carrera musical. En 1613 llega a Venecia, concursa, obtiene el codiciado puesto de maestro de capilla para la Catedral de San Marcos y se convierte rápidamente en el compositor vivo más respetado. Si es que ya no lo era.

El libro

Publicado en Venecia por Ricciardo Amadino en 1614, Il sesto libro de madrigali a cinque voci..., con un Dialogo a Sette, de Claudio Monteverdi, sigue el natural desarrollo de lo expuesto en las últimas seis creaciones de su anterior libro: estamos frente a la etapa final del madrigal en su estructura clásica y a un paso de la consolidación de la nueva tendencia, el madrigal concertante, narración musical adecuada para expresar diversos planos emotivos.

Sólo diez piezas dan forma al sexto libro, que dividido en dos partes, plantea un juego con la simetría. Cada sección comprende un planto a gran escala (Lamento d’Arianna y Sestina, con 4 y 6 partes respectivamente), un madrigal sobre un texto de Petrarca y otros sobre versos de Giambattista Marino. Un solo madrigal atiende a un texto anónimo.

Compuesto en Mantua al menos cuatro años antes de su publicación, este sexto libro ofrece los últimos respiros al equilibro tradicional, la escritura a cinque, que si bien se entiende como cosa del pasado, acá ensaya nuevas y extremas posibilidades. El planteamiento de las voces rompe la tradicional homogeneidad y al mismo tiempo introduce con fuerza los profundos cambios que experimenta el género cuando se combina la monodia con el estilo concertante en una creación para varias voces.

Por otro lado, la presencia del basso continuo, sugerido ya por el propio compositor para las seis piezas finales del quinto libro, es ahora estable y aplicable en cada madrigal. Tanto los instrumentos de arco como las cuerdas pulsadas brindan un soporte armónico, elemento que otorga plenas libertades a la declamación natural de la palabra y permite que cada voz se mueva con mayor independencia respecto de las otras.

El sexto libro cierra magistralmente con Presso un fiume tranquillo, imponente dialogo concertato concebido a sette.

El lamento

Lasciatemi morire;
e che volete voi che mi conforte
in così dura sorte,
in così gran martire?

A cinco voces se escucha ahora, luego de seis años de su estreno, el monódico lamento de L’Arianna. Único extracto sobreviviente de la tragedia en música estrenada en 1608 en el palacio ducal de Mantua, es la pieza elegida para abrir la nueva colección.

Con esta adaptación polifónica, el compositor agota sobre el texto de Rinuccini todas las posibilidades del stile antico y explicita en el pentagrama todo elemento descriptivo para que las tres voces internas coloreen los ángulos, cubran cada resquicio y resuelvan el armónico cuadro musical delimitado por el marco de las voces extremas.

Pero son más las versiones existentes de la célebre pieza. A la polifónica de éste sexto libro se suma una segunda de reescritura monódica, de 1623, cuando nuevamente los instrumentos sostienen la armonía; y una tercera, sacra, incluida en el Selva Morale e Spirituale de 1640 y que lleva por título Pianto della Madonna sopra il Lamento d'Arianna a voce sola.

Las lágrimas de un amante

En marzo de 1608 y poco antes del estreno de L’Arianna, muere sorpresivamente Caterina Martinelli, joven cantante al servicio de la corte de Mantua para quien Monteverdi compone el rol protagónico. A modo de homenaje, Monteverdi escribe Sestina: Lacrime d’amante al sepolcro dell’amata, pieza que establece la conexión entre las dos partes del libro, pues Sestina es también un amplio lamento, es el llanto de un pastor cuya ninfa ha muerto. En Glauco y Corinna se reconoce a Vincenzo Gonzaga y a la “Romanina”, apodo con que se conocía a Martinelli, favorita del Duque de Mantua.

Pero tanto dolor en música, tanto sufrimiento íntimo sugiere una inmediata segunda lectura y ésta es clara: Monteverdi no solamente escribe para su señor, Monteverdi plasma un último y conmovedor adiós para su esposa, Claudia Cattaneo, que había muerto en 1607.

El registro

Para el sexto libro de madrigales, mi elección discográfica es el doble disco registrado por Delitiae Musicae para el sello Naxos. Como es habitual en esta integral en curso, Marco Longhini, su director, opta por una lectura historicista y graba sólo con voces masculinas: tres contratenores, dos tenores, un barítono y un bajo asumen las líneas del cantus, quintus sextus, septimus, quintus-altus, altus, tenor y bassus, a las que les añade un virtuoso conjunto instrumental.

A los citados diez madrigales, se incluye acá la versión del Lamento d’Arianna de 1623 así como otras tantas creaciones de Monteverdi que fueron incluidas en diversas antologías publicadas entre 1594 y 1634, algunas de ellas nunca antes llevadas al disco.

Con una cuidada lectura, el conjunto italiano logra dar satisfactoriamente con las emotivas imágenes musicales contenidas en cada poema. El empaste de las voces es preciso, la agógica y la dinámica se explotan en plenitud y enriquecen la entonación amable, delicada y atenta. El madrigal exige el tiempo que cada palabra se merece y Longhini, con sabiduría y generosidad, lo otorga con gracia.

Claudio Monteverdi (1567 – 1643)
SESTO LIBRO DEI MADRIGALI

Delitiae Musicae
Marco Longhini, director

Naxos, 2007 [CD 1 68’48’’ + CD 2 57’28’’]

Lamento d'Arianna
I. Lasciatemi morire

Las arias más bellas

2009-09-03T10:01:00.009-04:00

Antonio VIVALDI
Andromeda Liberata

Sovente il sole

"Sovente il sole" (Perseo)

Sovente il sole
risplende in cielo
più bello e vago
se oscura nube
già l'offuscò.

E il mar tranquillo
quasi senza onda
talor si scorge,
se ria procella
pria lo turbò.

Antonio Vivaldi (1678 - 1741)
HEROES
Opera Arias

Philippe Jaroussky, countertenor

Ensemble Matheus
Jean- Christophe Spinosi

Virgin Classics, 2006 [63'15'']

Despertares

2009-09-02T09:16:00.005-04:00

Antonio VIVALDI
Concerti per violino e archi in la maggiore, RV 352

Allegro Molto

Antonio Vivaldi (1678 - 1741)
CONCERTI PER VIOLINO III "IL BALLO"

Duilio M. Galfetti, violino

I Barocchisti
Diego Fasolis

Naïve, 2008 [60'09'']

Música Sacra

2009-08-30T10:47:00.003-04:00

Johann Sebastian BACH
Jesu meine Freude, BWV 227

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
MOTETTEN

CANTUS CÖLLN
Konrad Junghaenel

DHM, 1997 [60’57’’]

Bellezas

2009-08-28T09:30:00.010-04:00

Georg Philipp TELEMANN
Trietto 3, TWV 42: d1 - Largo

Georg Philipp Telemann (1681 - 1767)
III TRIETTI METODICHI E III SCHERZI

Parnassi Musici

CPO, 2008 [63'21'']

pd: el disco se puede descargar aquí

In Memoriam

2009-08-27T17:12:00.003-04:00

En recuerdo de Arturo Albarracín.

Despertares

2009-08-27T09:48:00.005-04:00

Jean-Baptiste LULLY
Marche pour la cérémonie turque

Jean-Baptiste LULLY (1632 – 1687)
L’ORCHESTRE DU ROI SOLEIL
Symphonies, Ouvertures & Airs à Jouer

Le Concert des Nations
Jordi Savall

Alia Vox, 1999 [64’19’’]

Bellezas

2009-08-26T15:31:00.003-04:00

Johann Christoph PEZ
Concerto Grosso/Sinfonia in G minor, R. 18 - Chaconne

Johann Christoph PEZ (1664 – 1716)
OUVERTURES - CONCERTI

Les Muffatti
Peter van Heyghen

Ramee – RAM 0705, 2007 [76’41’’]

Mis últimas adquisiciones

2009-08-24T14:31:00.009-04:00

George Frideric Handel (1685 – 1759)
CLORI, TIRSI E FILENO, HWV 96
Le Cantate Italiane di Handel - V
Rome, 1707

Roberta Invernizzi, soprano
Yetzabel Arias Fernández, soprano
Romina Basso, alto

La Risonanza
Fabio Bonizzoni, direction

Glossa music - GCD 921525, 2009 [75’02’’]

Clori, Tirsi e Fileno (HWV 96), extensa cantata para tres voces solistas compuesta durante la estada de Handel en Roma, cuando el sajón se desempañaba bajo el patrocinio del Marchese Ruspoli, corresponde al último trabajo discográfico de La Risonanza.

Si bien el libreto de esta cantata dividida en dos partes es de un carácter marcadamente ligero, es material suficiente para inspirar la vasta imaginación del caro Sassone y permitirle dar forma al perfil psicológico de cada personaje, brindar un natural desarrollo a los enredos amorosos y recrear las constantes alusiones a la naturaleza.
Y la partitura logra magistrales momentos, algunos de los cuales incluso serán retomados en posteriores creaciones para la escena londinense.

Apoyada de un variado conjunto instrumental, con oboe, flautas dulces, un laúd y el soporte de las cuerdas y el continuo, Clori Tirsi e Fileno es desde la espléndida Ouverture hasta el terzetto final (de acuerdo a la segunda versión, retocada por Handel un año después), y a través de la alternancia de recitativos y doce bellísimas arias, una pequeña gran fabula pastoral, con la respectiva moraleja al cierre.

Roberta Invernizzi, Yetzabel Arias Fernández y Romina Basso, tres excelentes voces con características propias y diferenciables, asumen con un absoluto compromiso cada rol.
Cabe destacar a una sólida Risonanza, dirigida desde el clave por Bonizzoni.

George Frideric HANDEL
Clori, Tirsi e Fileno, HWV 96
Duetto – Scherzando sul tuo volto (Clori e Fileno)

Música Sacra

2009-08-23T11:32:00.003-04:00

Johann Sebastian BACH
Vergnügte Ruh, beliebte Seelenlust, BWV 170

Vergnügte Ruh, beliebte Seelenlust,
Dich kann man nicht bei Höllensünden,
Wohl aber Himmelseintracht finden;
Du stärkst allein die schwache Brust.
Drum sollen lauter Tugendgaben
In meinem Herzen Wohnung haben.

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
CANTATES POUR ALTO

Andreas Scholl, contre-ténor

Collegium Vocale
Philippe Herreweghe

Harmonia Mundi - HMC901644, 1998 [59’19’’]

Las arias más bellas

2009-08-22T20:46:00.002-04:00

Marc-Antoine CHARPENTIER
Tristes déserts

"Tristes déserts"

Tristes déserts, sombre retraite,
Rochers à qui toujours j’ai confié mon sort;
Ecoutez le récit de la douleur secrète
Qui me fait ciurir à la mort:
J’amais, j’étais aimé;
Du bonheur de ma vie,
Les Rois, les Dieux étaient jaloux.
Hélas! Ce temps n’est plus,
L’infidèle Sylvie, de mon rival
A fait son époux.
Tristes déserts, sombre retraite,
Rochers à qui toujours j’ai confié mon sort;
Je vous ai dit l’excès de ma douleur secrète,
Vous serez témoins de ma mort.

Marc-Antoine Charpentier (1643 – 1704)
TRISTES DÉSERTS

Gérard Lesne, haute-contre & direction

Il Seminario Musicale

Zig-Zag Territoires, 2006 [74’52’’]

Despertares

2009-08-21T23:33:00.004-04:00

Antonio VIVALDI
Concerto Op. 3 Nº 8 in A minor, RV 522 – Allegro

Antonio Vivaldi (1678 – 1741)
L’ESTRO ARMONICO
12 Concertos Op. 3

Europa Galante

Virgin Veritas, 1998 [CD 1 46’20’’ + CD 2 53’52’’]

Bellezas

2009-08-21T13:34:00.004-04:00

Tobias HUME
Cease leaden slumber

Cease leaden slumber
my Genius presents the cause
of sweet musickes meaning
now which breedes my soules content,
and bids my Muse awake, awake,
to heare sweete musickes note,
to heare sweete musickes note that cheerefully, cheerefully, cheerefully
glads me so cheerefully.

Me thoughts as I lay sleeping,
dreames did enchaunt me
with the prayse of musicke
and her worth and her eternisht fame,
but now I finde indeed
my leaden windowes open,
my leaden windowes open
that cheerefully, cheerefully, cheerefully
comforts full cheerefully.

Night gloomy vaile to the morn
dreames affright, no more, no more
where sweet musicke is now still appearing,
leave passions to perplexe,
for now my soule, my soule delights
in musickes harmony,
in musickes harmony,
whose heavenly noise, heavenly noise, heavenly noise,
glads soles with tongue and voice,
for now my soule delights,
for now my soule delights
in heavenly noise, heavenly noise, heavenly noise
of musickes sweetest joyes.

Tobias Hume (c.1569 – 1645)
CAPTAIN HUMES POETICALL MUSICKE – VOL. 1

Daniel Taylor, countertenor

Les Voix Humaines

Naxos – 8.554126, 1997 [61’52’’]

Cálidas cuerdas frotadas

2009-08-21T12:47:00.004-04:00

Johann Sebastian BACH
Suite nr. 2 in d moll, BWV 1008 - Allemande

Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
6 SUITES PER VIOLONCELLO SOLO SENZA BASSO

Pieter Wispelwey, violoncelle

Channel Classics – CCS12298, 1999 [CD 1 61’35’’ + CD 2 78’28’’]

Las arias más bellas

2009-08-19T23:27:00.005-04:00

Mi versión favorita de la cantata fúnebre Du aber Daniel, gehe hin, del prolífico compositor G. P. Telemann, es la que registró el conjunto Gli Angeli Geneve para un impecable recopilatorio de cantatas alemanas del barroco.
Les dejo la segunda de sus arias, para soprano. Dirige el joven cantante suizo Stephan MacLeod y canta Johannette Zomer.

“Brecht, ihr müden Augenlieder”

Brecht, ihr müden Augenlieder
Sinket, ihr erstarrten Glieder,
Denn so kommt mein Geist zur Ruhh.

Kommt, ihn engel, tragt die Seele
Aus des Leibes Jammerhöhle
Nach der Burg des Himmels zu.

Georg Philipp Telemann (1681 – 1767)
GERMAN BAROQUE CANTATAS

Johannette Zomer, soprano

Gli Angeli Geneve
Stephan MacLeod

Sony Classical, 2008 [71’14’’]

Despertares

2009-08-19T09:03:00.008-04:00

George Frideric HANDEL
Water Musick, Suite in F (HWV 348) - Allegro

George Frideric Handel (1685 - 1759)
WATER MUSICK

Ensemble Zefiro
Alfredo Bernardini, oboe & direction

Ambroisie - AMB9946, 2003 [75’29’’]

Bellezas

2009-08-18T23:30:00.003-04:00

Alessandro MARCELLO
Concerto per Oboe, archi e continuo in re minore – Adagio

Alessandro Marcello (1668 – 1747)
CONCERTO IN D MINOR – UNPUBLISHED CONCERTOS AND CANTATAS

Paolo Grazzi, oboe

Venice Baroque Orchestra
Andrea Marcon, conductor

Arts Music – 47505-2, 1998 [58’17’’]

Bach y las nobles cuerdas pulsadas: BWV 995

2009-08-18T00:58:00.018-04:00

Pièces pour la luth
à
Monsieur Schouster
par
J. S. Bach

•

BWV 995

•

Preludio – “tres viste”
Allemande
Courante
Sarabande
Gavotte I y II en rondeau
Gigue

Bach y el laúd están estrechamente relacionados y más de lo que comúnmente se sabe. El mismo Kantor era propietario de un par de laúdes, dos lautenwerk, fue maestro de teclado y composición para los laudistas Johann Ludwig Krebs y Rudolf Straube y se relacionó con algunos de los más insignes tañedores de su época, tales como J. C. Weyrauch, J. Kropffgangs, el admirado S. L. Weiss e incluso Ernst Gottlieb Baron, quien conoce a Bach en una visita que realizara a Cöthen en 1720.

De acuerdo a la Bach Werke Verzeichnis o catálogo de obras de Johann Sebastian Bach, las suites BWV 995 y BWV 996, la partita BWV 997, el preludio, fuga y allegro BWV 998, el preludio BWV 999, la fuga BWV 1000 y la partita BWV 1006a conforman el corpus laudístico bachiano, en el que incluso el lautenwerk, como señalaré en una futura entrada, tiene una curiosa participación.

La música de la primera suite para laúd, BWV 995 en sol menor (Leipzig, c.1727-31), que en rigor es una transcripción de la quinta suite per violoncello solo senza basso en do menor (BWV 1011, c. 1720), nos llega a través de dos fuentes: un manuscrito autógrafo de Bach dedicado a Monsieur Schouster y una tablatura francesa atribuida a Falkenhagen.

A las interrogantes de que si Bach sabía realmente tocar el laúd y con que nivel de destreza, se superponen otras de mayor trascendencia: ¿fue realmente el laúd el instrumento destinatario de esta transcripción? Si es así, ¿por qué Bach escribió notas que están fuera de la tesitura del laúd barroco de 13 órdenes? El título señala Pièces pour la luth à Monsieur Schouster par J. S. Bach, entonces ¿por qué el autógrafo está escrito en sistemas con dos pautas y no en tablatura, notación tradicional para los laudistas?

Las respuestas a estas preguntas son diversas, así como la soluciones a las muchas problemáticas que presentan estas pocas piezas para poder tocarlas en un solo instrumento y sin alterar la afinación de algún par de cuerdas.

Como en detalle explica Eduardo Egüez en su The Lute Music of J. S. Bach Vol. 2, “...la transcripción era muy frecuente en los tiempos de Bach. El experto laudista del s. XVIII debía ser capaz de interpretar su música y la ajena. Sabía adaptar una pieza de otro compositor ofreciendo soluciones alternativas a los problemas relativos a la transcripción”.

Y el músico actual, además de sobreponerse a todas esas dificultades, debe intentar recrear las virtudes de aquellos insignes instrumentistas y lograr una pieza final idiomáticamente apta para el noble instrumento. Algunos, los menos, hay que aclararlo, lo han logrado y de sus trabajos tomaré prestadas las muestras que de aquí en adelante expondré para poder brindarles una breve visión de este universo laudístico bachiano. Comienzo con la versión de Eduardo Egüez para el preludio de la suite BWV 995.
Qué disfruten!

Orfeo.

Johann Sebastian BACH
Suite in G minor, BWV 995 – Praelude

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
THE LUTE MUSIC OF J.S. BACH - VOL. 1

Eduardo Egüez, lute

MA Recordings - M053A, 2000 [61’25’’]

Mis últimas adquisiciones

2009-08-17T11:38:00.006-04:00

Claudio Monteverdi (1567 - 1643)
SCHERZI MUSICALI

Emanuela Galli, soprano

La Venexiana
dircted by Claudio Cavina

Doron David Sherwin, cornett
Svetlana Fomina, violin
Carlo Lazzaroni, violin
Efix Puleo, viola
Caterina Dell’Agnello, cello
Alberto Lo Gatto, violone
Johanna Rose, viola da gamba
Denise Mirra, viola da gamba
Gabriele Palomba, theorbo & archlute
Fulvio Garlaschi, theorbo & baroque guitar
Michael Leopold, theorbo
Marta Graziolino, triple harp
Davide Pozzi, harpsichord

Tracklist

1. Con que soavità
2. Ohimè ch’io cado
3. Sì dolc’è il tormento
4. Maledetto sia l’aspetto
5. Quel sguardo sdegnosetto
6. Eri già tutta mia
7. Ecco di dolci raggi
8. Et è pur dunque vero
9. La mia turca
10. Voglio di vita uscir
11. Più lieto il guardo
12. Perchè se m’odiavi
13. Lamento di Arianna

Glossa music - GCD 920915, 2009 [54’40’’]

No hay caso, La Venexiana perdió el norte hace mucho y parece que le costará bastante retornar a la senda correcta.

El último trabajo de estudio del conjunto italiano está dedicado a los ligeros Scherzi Musicali de Claudio Monteverdi (Scherzi musicali Cioè Arie, & Madrigali in stil recitativo, con una Ciaccona a 1 & 2) publicados en Venecia en 1632, y si bien no registran la totalidad de la colección, completan un justo minutaje final con otras diversas creaciones vocales del cremonés, a saber: una extraída del Settimo libro de madrigali (Venecia, 1619); tres piezas publicadas en el Quarto Scerzo della ariose vaghezze... di Carlo Milanuzzi (Venecia, 1624); otras dos recopiladas en las Arie de diversi raccolte da Alessandro Vincenti, (Venecia, 1634); una de un manuscrito napolitano, e incluso hay espacio para el famoso Lamento di Arianna (1608), sobre el que Claudio Cavina prueba con una caprichosa orquestación.

La propuesta parece más que interesante, y las expectativas, por lo menos para mí, no eran menores. Pero los disgustos comienzan pronto y todo se desploma desde que escuchamos la primera intervención de la cantante solista. Claramente la elección no fue la correcta. Emanuela Galli encara cada pieza con una totalmente dispareja emisión, pasándose del canto serio al popular constantemente y como si nada. Apoyada en los respectivos argumentos (expuestos en las notas adjuntas al disco), puede que sea una alternativa, quizá no la más apropiada y convincente, pero sí una alternativa. Pero lo que no es viable, desde ningún punto de vista y por más que estos scherzi sean composiciones técnicamente menos exigentes, es trabajar con un temblante y en no pocos momentos desafinado instrumento. Y Galli peca en demasía.

Pese a lo anterior, las lecturas acá ofrecidas en la mayoría de los casos son acertadas, pero hay baches y grandes: imperdonable me resulta la poca delicadeza en Più lieto il guardo, insoportable y totalmente fuera de lugar el cornetto en Sì dolc’è il tormento y absolutamente errado el tempo inicial en el Lamento di Arianna.

Respecto del conjunto instrumental no hago mayores acotaciones, ya que participan experimentados músicos que cumplen a cabalidad, y cuando uno se sorprende por un extraño giro o por la insospechada intervención de un instrumento, es la respuesta natural e inmediata a los curiosos criterios del director. Y queda preguntarnos, ¿estamos definitivamente ante el ocaso de un conjunto que en un comienzo alcanzó sugerentes cimas, pero que al probar suerte más allá del madrigal en su forma clásica no pudieron consolidar su trabajo?

Puede sonar a exageración, pero este era el momento preciso para que La Venexiana limpiase su imagen luego de las pálidas últimas entregas discográficas, para que nos sorprendiera con un recital minucioso y de fino acabado, pero parece que Cavina bromeó demasiado con la música.

Orfeo.

Claudio MONTEVERDI
Sì dolc’è il tormento

Las arias más bellas

2009-08-16T11:53:00.008-04:00

El volumen 43 de la integral en curso de las cantatas bachianas dirigida por Masaaki Suzuki para el sello sueco Bis se perfila sobradamente como uno de los mejores registros de la serie. Acá se reúnen las cantatas BWV 110, BWV 57 y BWV 151, y al recurrente y experimentado equipo de solistas, conformado por Robin Blaze, Gerd Türk y Peter Kooij, se suma una sorprendente Hana Blažíková, joven soprano checa que seguro dará mucho que hablar en un futuro próximo. De la cantata Selig ist der mann (BWV 57) les dejo la primera aria para soprano.

“Ich wünschte mir den Tod, den Tod”

Ich wünschte mir den Tod, den Tod,
Wenn du, mein Jesu, mich nicht liebtest.
Ja wenn du mich annoch betrübtest,
so hält ich mehr als Höllennot

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
UNSER MUND SEI VOLL LACHENS
Cantatas Vol. 43

Hana Blažíková, soprano

Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki

Bis - SACD-1761, 2009 [62’28’’]